Lady Bird, de Greta Gerwig

A24 y IAC FILMS presentan

Lady Bird

Estreno jueves 1° de marzo

 

En Lady Bird, Greta Gerwig revela su nueva y audaz voz cinematográfica con su debut como directora, ahondando tanto el humor como el dramatismo en el vínculo turbulento entre una madre y su hija adolescente. Christine “Lady Bird” McPherson (Saoirse Ronan) lucha para no ser como su madre (Laurie Metcalf), pero es exactamente igual de amorosa, profundamente obstinada y fuerte que ella, una enfermera que trabaja incansablemente para mantener a flote a su familia después de que el padre de Lady Bird, perdiera su trabajo. Ambientada en Sacramento, California en 2002, en medio de un paisaje económico estadounidense que cambia rápidamente, Lady Bird es una mirada a las relaciones que nos dan forma, las creencias que nos definen y la belleza inigualable del lugar que llamamos hogar.

Director: Greta Gerwig
Actores: Marielle Scott, Jordan Rodrigues, Odeya Rush, Stephen McKinley Henderson, Lois Smith, Beanie Feldstein, Timothée Chalamet, Lucas Hedges, Tracy Letts, Laurie Metcalf, Saoirse Ronan
Titulo original: Lady Bird
Estudio: Universal Pictures

Lady Bird

A24 y IAC FILMS
presentan


ELENCO
Lady Bird McPherson -Saoirse Ronan
Marion McPherson - Laurie Metcalf
Larry McPherson - Tracy Letts
Danny O’Neill - Lucas Hedges
Kyle Scheible - Timothée Chalamet
Julie Steffans - Beanie Feldstein
Hermana Sarah Joan - Lois Smith
Padre Leviatch - Stephen McKinley Henderson
Jenna Walton - Odeya Rush
Miguel McPherson - Jordan Rodrigues
Shelly Yuhan - Marielle Scott
Sr. Bruno - Jake McDorman
Greg Anrue - John Karna
Casey Kelly - Bayne Gibby
Diana Greenway - Laura Marano

REALIZADORES

Escrita y dirigida por Greta Gerwig
Producida por Scott Rudin, Eli Bush, Evelyn O’Neill
Productor ejecutivo Lila Yacoub
Coproductores Alex Scott , Jason Sack
Director de fotografía Sam Levy
Diseñador de producción Chris Jones
Editada por Nick Houy
Diseñadora de vestuario April Napier
Música de Supervisores musicales Jon Brion
Selección de actores  Brian Ross,  Michael Hill

PREGUNTAS Y RESPUESTAS CON LA ESCRITORA/DIRECTORA GRETA GERWIG
¿ESTUVO INSPIRADA ESTA PELÍCULA EN SU PROPIA VIDA?
Crecí en Sacramento y amo Sacramento, así que el impulso inicial de hacer la película fue un deseo de escribir una carta de amor a un lugar que solo entró en foco después de que me fui. Es diferente registrar las profundidades de tu amor cuando tienes dieciséis y estás bastante segura de que la “vida” sucede en algún otro lugar.
Ninguno de los eventos en la película sucedió literalmente, pero hay un núcleo de verdad que está conectado con un sentimiento de hogar y niñez y partida.

CIERTAMENTE EL ESCENARIO, SACRAMENTO, TIENE UNA RESONANCIA ESPECIAL PARA USTED. ¿QUÉ HACE DE SACRAMENTO UN LUGAR ESPECIAL?
Joan Didion es de Sacramento y cuando descubrí su escritura de adolescente, fue espiritualmente sísmico. Fue tan terrible como si hubiera crecido en Dublín y luego de pronto leía James Joyce. Ella era mi poetiza laureada personal. Fue la primera vez que experimente una mirada de ojo de artista en mi hogar. Siempre había pensado que el arte y la escritura debían ser acerca de cosas que eran “importantes” y estaba segura de que mi vida no era tan importante. Pero su escritura, tan hermosa y transparente y específica, era acerca de mi mundo. Todas las mujeres sobre las que escribí, sabía exactamente quiénes eran. La forma en que organizaban sus armarios, las cosas que valoraban, la visión del mundo de clase media agraria que forjaba este rincón del país.
Cuando las personas piensan en California, tienden a pensar en San Francisco o Los Ángeles, pero hay un valle agrícola central masivo que corre por el medio del estado. Sacramento está ubicada en el extremo norte de él, y si bien es la capital del estado, hay tierras de labranza en sus entrañas. No es una ciudad que ostenta. No puede marcarse ni venderse a sí misma. Hay una modestia y una integridad en el lugar y las personas.

¿CÓMO FUE LA EXPERIENCIA DE DEJAR SACRAMENTO PARA USTED Y POR QUÉ ERA UN COMPONENTE TAN IMPORTANTE EN ESTA HISTORIA?
Una de las primeras cosas que escribí para la película fue la escena en la facultad en donde alguien le pregunta a Lady Bird de dónde proviene y ella miente y dice: "San Francisco". Ese sentimiento de profunda vergüenza que surge de negar quien uno es fue un momento que deseaba trabajar hacia atrás, para desarrollar una película alrededor de eso de modo que cuando ella rechaza su hogar, el público se siente personalmente traicionado y herido. Como si ellos, también, fueran de Sacramento y conocieran los lugares y a las personas íntimamente. Lady Bird vende su hogar para verse 10% más genial a un extraño que acaba de conocer.
Es inevitable, tal vez, negar sus raíces. No soy una católica practicante, pero siempre me ha movilizado la historia de Negación de Pedro. En la Última Cena, Pedro fervientemente le dice a Jesús que él morirá antes de repudiarlo, pero Jesús le responde que Pedro lo negará tres veces “antes de lo que canta un gallo”.
Pedro sigue insistiendo que no lo hará. Por supuesto, Pedro termina negando que conozca a Jesús en tres ocasiones distintas. El gallo canta justo cuando él dice por tercera vez que no es un discípulo de Jesús. Pedro entonces se desespera al ver su propia debilidad.
Sin embargo, después de la resurrección, Jesús aparece ante Pedro y le pregunta a Pedro tres veces si lo ama. Pedro responde que lo hace en cada oportunidad. A él le brindan la oportunidad de arrepentirse a través del amor.
Estas historias siempre han informado mi escritura y mis ideas, buscando una verdad universal mayor detrás de lo que se denominan vidas “pequeñas”. Lady Bird niega de dónde proviene, sí, pero también le declara su amor. Se nos otorga la oportunidad de gracia, y necesitamos amor para aceptarlo.

ASÍ CHRISTINE TAMBIEN HA NEGADO SU NOMBRE.
sí.

¿POR QUÉ ELLA HACE ESO? ¿QUÉ SIGNIFICA EL NOMBRE "LADY BIRD"?
Renombrar es un acto creativo y un acto religioso, es uno de autoridad y una forma de encontrar tu verdadera identidad a través de crear una nueva. Es una mentira al servicio de la verdad. En la tradición católica, te dan un nombre de confirmación, para nombrarte según un santo que esperas emular. En el rock and roll, te das un nuevo nombre (David Bowie, Madonna, etc.) a fin de ocupar este espacio mítico mayor.
A principios del proceso de escritura, me la pasé volviendo a algo que no podía atravesar. Dejé todo de lado y escribí en la parte superior de una página en blanco: “¿Por qué no me llamarías Lady Bird? Prometiste que lo harías”. Deseaba conocer a esta chica que hace que todos la llamen por este extraño nombre. El nombre surgió de algo misterioso. No había pensado en eso antes de escribirlo. Amo la forma en que suena. Es desenfadado. Es antiguo. Escribir el guión fue llegar al corazón de esa chica.
Más tarde, recuerdo la rima de Mother Goose: “Ladybird, ladybird, fly away home”. Se trata de una madre que regresa a casa para asegurarse de que sus hijos están seguros. No sé cómo estas cosas se alojan en nuestro cerebro, o por qué salen cuando lo hacen, pero parece que es una parte esencial del proceso creativo para mí, el despliegue inconsciente de algo que conoces sin saberlo.

ASÍ LA HISTORIA SE ESTRUCTURABA EN TORNO AL ÚLTIMO AÑO DE LA SECUNDARIA DE LADY BIRD. ¿POR QUÉ FUE UN MOMENTO TAN IMPORTANTE PARA AMBIENTAR LA PELÍCULA?
Cuando eres un adolescente en Estados Unidos, organizas tu vida en torno a los años académicos: Estudiante de primer año, estudiante de segundo año, junior, senior. Siempre tuvo sentido para mí contar la historia de todo el año. Los rituales del año, la circularidad. La forma en que terminamos donde comenzamos. Es un espiral hacia arriba. El último año arde de manera brillante y también desaparece tan rápido como emerge. Hay una cierta intensidad en mundos que llegan a su fin. Hay un pre-sentimiento de pérdida, de “lasts”. Esto es cierto para padres e hijos. Es algo bello que nunca apreciaste y termina justo cuando comienzas a entenderlo. La forma en que el tiempo avanza a toda velocidad es un tema de la película, una escena que se topa con la siguiente. 
Nunca podemos retenerlo.

ENTONCES USTED MENCIONÓ QUE HA COESCRITO GUIONES ANTES, PERO, ¿ESTA ES LA PRIMERA VEZ QUE HA DIRIGIDO?
Sí.

CUANDO ESCRIBIÓ EL GUIÓN, ¿SIEMPRE TUVO LA INTENCIÓN DE DIRIGIRLA?
A mí escribir me lleva mucho tiempo. Ni siquiera realmente sé cuanto. Tal vez años, porque no es lineal. Es un personaje o una escena aquí y allá. Tiendo a sobrescribir, cientos de páginas que no sirven. Finalmente, lo voy a recortar y buscar la esencia. Mientras estoy escribiendo, sin embargo, parece imposible que alguna vez se convierta en una película. Así que la idea de dirigir no fue algo que estuviera considerando conscientemente.
Sin embargo, una vez que había terminado el guión, supe que la dirigiría. Y supe que era lo que había tenido intención de hacer desde siempre. No pude hacérmelo saber porque me habría asustado. He querido dirigir desde que recuerdo, pero el coraje no es algo que se desarrolla de la noche a la mañana.

¿Y CÓMO FUE EL PROCESO DE DIRIGIRLA? ¿QUÉ APRENDIÓ A TRAVÉS DE ESE PROCESO?
Aún sigo aprendiendo acerca de la dirección y, espero, nunca dejar de hacerlo, incluso cuando esté en mis ochenta y me repita a mí misma. Catalogar todo lo que he aprendido sería aburrido e imposible.
Una cosa que puedo decir sin duda es “siempre contrato a personas que son más inteligentes que yo”. Esa cita provino del difunto, el gran cineasta Harris Savides, por medio de mi director de fotografía, Sam Levy. Esto es cierto para todos, desde actores hasta decoradores y diseñadores de pósters. Tuve la gran suerte de estar rodeada de personas que eran, de hecho, más inteligentes que yo.
La otra cosa es que el título “directora” no es bastante adecuado. Implica que todo esta allí frente a ti, y solo debe ser "dirigido". Pienso que el idioma francés lo expresa con mayor precisión, como “réalisateur”. El director es la persona que "realiza" la película. Como que hace que suceda, le da forma actualizada, hace que exista. Nadie alguna vez sabrá las películas que no haces, y no tienen ninguna razón de existencia, distinta de que las realizas.

¿CUÁLES FUERON ALGUNAS DE LAS MAYORES SORPRESAS QUE ENCONTRÓ MIENTRAS ESTABA HACIENDO LA PELÍCULA?
El calibre de los colaboradores que tuve es la mayor sorpresa, y por lo que estoy más agradecida. Simplemente no podía creer que estas personas salvajemente talentosas estuvieran dedicando su tiempo y su talento a esta película. Desde Scott Rudin y IAC Films que firmaron para hacerla, hasta Lois Smith que apareció para interpretar a la Hermana Sarah Joan, toda persona involucrada estaba más allá de lo que podría haber imaginado. Eso fue sorprendente.
Continúa siendo sorprendente.

¿CUÁLES FUERON ALGUNOS DE LOS MAYORES DESAFÍOS Y RECOMPENSAS DEL PROCESO DE HACER LA PELÍCULA?
Lo más reconfortante era ver a los actores trabajando. Yo había escrito esas líneas sola, y las escuchaba en mi cabeza, pero de pronto estaban cobrando vida y eran personificadas en formas que eran mucho mejores de lo que yo podría haber imaginado. Pienso que hay algunos directores que desean poder clonarse y hacer todos los trabajos, pero no soy uno de esos directores. El proceso de dejar que otras personas le pongan todo su ser a esto, su espíritu y su creatividad, es uno de los mayores deleites del proceso. ¿Los desafíos? Cada paso fue un desafío, pero todo eso desaparece en mi memoria de hacerlo.

¿CÓMO PIENSA QUE EL HECHO DE QUE USTED VINIERA DEL MUNDO DE LA ACTUACIÓN INFLUYE EN SU ESTILO COMO DIRECTORA?
Habiendo trabajado como actriz, algo de lo que soy muy cuidadosa es el proceso de audición. He estado en muchas situaciones de audición humillantes y sé lo que se siente traer algo en lo que has trabajado mucho y que las personas ni siquiera te miren. No podía seleccionar a cada actor maravilloso que vi, pero podía brindarles respeto y consideración mientras compartían su arte conmigo.
También tengo un fuerte sentido de que los actores deben tener un mundo secreto fuera del director. Necesitan sus propias conexiones entre sí, y no creo que el director realmente deba ser parte de eso. Quería darles este espacio para jugar. Yo hacía cosas como coordinar una reunión con la diseñadora de vestuario y uno de los actores y no participaba de ella, porque quería que ambos tuvieran su propio lenguaje privado y la sensación de que estaban creando a este personaje juntos.
Por supuesto, les daba una opinión y decía lo que me gustaba y lo que no, pero no quería entrometerme demasiado. Parte de ser actor es realmente tener que adueñarse del personaje, y si alguien siempre te dice, “no, no, no, es así; es asá”, realmente nunca sientes como que es parte de ti. Mi trabajo era crear un perímetro de modo que pudiera llevarlo más allá de mí, porque ya no era más mío.

¿TIENE EN SUS PLANES DIRIGIR MÁS PELÍCULAS EN EL FUTURO?
Sí. Y lo haré.

¿CÓMO LLEGÓ A SELECCIONAR A SAOIRSE, Y QUÉ HIZO QUE ELLA FUERA TAN PERFECTA PARA EL PAPEL DE LADY BIRD?
Conocí a Saoirse Ronan en el Festival de Cine de Toronto en 2015 cuando estaba allí para Brooklyn. Me senté en la habitación de su hotel y leí el guión entero en voz alta con ella. Ni bien la escuche decir sus líneas, supe sin lugar a dudas que ella era Lady Bird. Era tan diferente y tanto mejor de lo que yo había imaginado. Ella era obstinada y divertida y desgarradora, universal y específica. Ella estaba comenzando los ensayos de The Crucible en Broadway, así que significaba posponer la película durante seis meses, pero no había otra persona que pudiera hacerlo, era ella después de dos minutos de comenzar la lectura.

¿CÓMO FUE EL PROCESO DE DESARROLLAR EL PERSONAJE CON ELLA, Y CÓMO HIZO ESE PERSONAJE EVOLUCIONÓ A TRAVÉS DEL PROCESO DE FILMACIÓN?
Los guiones que yo había escrito apenas cambiaron durante la filmación. Cada una de las líneas se dice en la forma en que fue escrita. La película no es principalmente un medio de palabras, pero yo llego a ella a partir de un amor por el teatro, así que para mí el lenguaje es fundamental.
Sin embargo, el proceso de crear un personaje es un collage. Saoirse estaba actuando en Broadway, y yo alimentaba sus partecitas poco a poco. Yo le daba una novela, o un poema, o una canción o una fotografía. Cuando seleccionamos más personas, me reunía con ellas para mini ensayos. Quería que los actores comenzaran a crear una burbuja mágica de fantasía entre sí.
A medida que profundizábamos en los ensayos antes de filmar, Saoirse y yo pasamos horas hablando y compartiendo de modo que para el momento del rodaje, ella sería la  persona a la que le preguntaría qué se pondría Lady Bird en una determinada escena o cómo caminaría o se sentaría. Saoirse desarrolló un aspecto físico completo en torno al personaje que informó la forma en que yo quería que se la fotografiara, el ritmo del rodaje y la emoción.

HAY MUCHAS RELACIONES QUE USTED EXPLORA EN ESTA PELÍCULA, PERO PARECE COMO SI EL CORAZÓN DE LA PELÍCULA FUERA UNA HISTORIA DE MADRE-HIJA.
Sí.

¿POR QUÉ ELIGIÓ PONER ESTA RELACIÓN EN EL CENTRO DE LA PELÍCULA?
La relación madre-hija es la historia de amor de la película. Durante un largo tiempo el título de la película era Mothers and Daughters.
Por lo general, con películas sobre niñas adolescentes, la historia se centra en torno de un muchacho: el príncipe encantador, la respuesta a todos los problemas de la vida. Y no pienso que la vida sea así para nada.
La mayoría de las mujeres que conozco tuvieron relaciones infinitamente bellas, increíblemente complejas con sus madres en su adolescencia. Quería hacer una película que pusiera eso en el centro, en donde en todo momento sintieras empatía por ambos personajes. Nunca quería que una tuviera “razón” y la otra estuviera “equivocada”. Deseaba que cada una fallara dolorosamente en llegar a la otra, y recompensar su verdadero amor al final. Para mí, esas son las más conmovedoras historias de amor. El romance entre una madre y su hija es una de las más ricas que conozco.

ENTONCES, LAURIE METCALF.
Oh, Laurie Metcalf.

¿QUÉ LE HIZO SENTIR QUE ELLA ERA ADECUADA PARA EL PAPEL?
No crecí mirando televisión, así que no conocía a Laurie de “Roseanne”. La conocía como una de las grandes actrices de teatro, una persona que había forjado el teatro estadounidense moderno. Quería a alguien con esa profundidad y rango y poder, como un boxeador profesional que puede nivelar a un competidor pero también tiene pies ligeros. Así es Laurie. Ella le aporta tanta humanidad y patetismo a Marion y aún tiene sincronización cómica.
Que fuera de la región central de Estados Unidos era también un aspecto que me atraía profundamente. Ella y Tracy Letts ambas son de esa región y hay algo muy arraigado acerca de ambas. Son muy profesionales, nada extravagantes ni tratan de impresionar, aún cuando ambas tienen más que suficiente talento para ser de esa forma. Era una buena aproximación de la humildad de Sacramento.
Antes de que tuviera mi reunión con ella, yo estaba haciendo la prensa de una película que había hecho con Ethan Hawke. Sabía que habían trabajado juntos en teatro, así que le pregunté cómo había sido su experiencia. Ethan detuvo al siguiente entrevistador que llegaba, me tomó de los hombros y dijo: “Si fuiste tan afortunada de que Laurie Metcalf quisiera trabajar en tu película, verás qué verdadera artista es ella. Todos los demás simplemente simulan hacer lo que ella realmente hace.”
No puedes hablar realmente acerca de un gran atleta, simplemente tienes que verlo en acción. Ni bien comenzamos a ensayar, todo estaba a la vista. Podríamos haber rodado el primer día.

¿EN QUÉ FORMA CONSIDERA QUE LADY BIRD Y MARION SON SIMILARES ENTRE SÍ? ¿EN QUÉ FORMA SON DIFERENTES, Y CÓMO CONSIDERA QUE LAS SIMILITUDES Y DIFERENCIAS JUEGAN EN SU TENSIÓN?
Lady Bird y Marion son las dos caras de la misma moneda. Sus similitudes son lo que las hace tan cercanas y también tan polémicas. Amaba que Saoirse y Laurie fueran casi de la misma altura exacta. Desde la primera toma, yo quería mostrarlas como que una era el otro lado de la otra. Una misma persona pero separada.
Algo de esto es generacional. Crecer como mujer en Estados Unidos era algo totalmente diferente para Marion de lo que fue para Lady Bird. Como una mujer nacida en la década de 1980, Lady Bird es parte de la generación en donde de pronto era posible tener sueños grandes y ambiciosos para ti misma. Marion surge de la cultura del período posterior a la Segunda Guerra Mundial en la década de 1950. Roe v. Wade hubieran muerto mientras ella todavía tenía veintipico. Sus padres habrían atravesado la época de la Depresión. Incluso los argumentos acerca de "cómo tratamos nuestras cosas" están profundamente arraigados en sus respectivas generaciones. Pienso que subestimamos cuántas de esas diferencias causan tensión entre madres e hijas.

SU RELACIÓN PARECE EXTRAORDINARIAMENTE REAL. ¿CÓMO FUE EL PROCESO DE TRABAJAR CON ELLAS PARA DESARROLLAR ESTA DINÁMICA?
Como cualquiera que ha peleado con un familiar que conoce, nunca hay realmente una nueva pelea. La has tenido un millón de veces. Son estas grietas gastadas en donde podrías recitar las frases de la otra persona por ella. Quería crear la sensación de repetición, de una vida de pelea y reconciliación.
Rodamos la primera escena en la última semana, la fuerte pelea en el automóvil. Para entonces, estaban totalmente atrapadas entre sí. Conocían los ritmos y la energía de cada una. Pienso que una forma disfuncional en la que las personas pueden expresar intimidad es pelear, porque solo peleas con personas que realmente conoces. Quería que esa pelea pareciera íntima. Desde la primera toma, estaban encendidas. Durante un largo tiempo en la edición, yo usaba todo el rodaje de esa primera toma. Así era cuán vivas y conectadas estaban.

¿QUÉ SUCEDE CON LADY BIRD Y SU PADRE, LARRY?
¿CÓMO ES ESA RELACIÓN, Y CÓMO DIFIERE?
Larry es el héroe de Lady Bird. Ella lo adora totalmente y no puede soportar haberle causado dolor o que él tenga una tristeza que ella no puede solucionar.
Adoro a Tracy Letts como actor y escritor, pero sentía que nunca lo había visto seleccionado para un papel muy amable. A menudo interpreta a personas que son rigurosas desde el punto de vista intelectual y fuertes pero rayan en la imbecilidad. Y él es el fantástico en eso. Sin embargo, cuando lo conocí en Sundance, y fue tan calido y tenía esta dulzura real en él que nunca había visto realmente explorada, en el escenario o en una película. Él era Larry para mí. Brillante y amable y capaz de aportar profundidad emocional a este personaje.

¿CÓMO ES EL PAPEL DE LARRY DENTRO DE LA DINÁMICA FAMILIAR?
Larry es la persona que equilibra con tranquilidad a todos. Es el contrapeso. Ama a su esposa y ama a su hija y desea que una vea a la otra en la forma en que él las ve.

CUÉNTEME ACERCA DE TRABAJAR CON TRACY, DESARROLLANDO EL PERSONAJE.
Tracy es uno de mis escritores favoritos de todos los tiempos, y lo que más valoré de trabajar con él como actor fue cómo me hablaba acerca de mi guión. Es uno de los lectores de guiones más inteligentes que he conocido.
Desea entenderlo desde el interior. Algunas de las preguntas que me hizo me ayudaron a afinar mi guión y mejoraron mis instintos respecto de lo que buscaba. Es económico como artista y me alentó a encontrar la esencia de la pieza. Las cosas que resultaron más fructíferas fueron sus pocos comentarios certeros y sus consultas. Nos llevó a un diálogo acerca del personaje y la película y logró que mi película fuera más rica y más realizada.

APARECE ESTE SENTIDO DE QUE MARION Y LARRY TIENEN ESTA INTENSA HISTORIA DE FONDO. HAY MUCHO DE LA HISTORIA QUE NO SE EXPONE ABIERTAMENTE EN LA PELÍCULA. ¿ANALIZÓ CON LAURIE Y TRACY UNA HISTORIA DE FONDO PARA ESOS PERSONAJES? ¿CÓMO SE DESARROLLÓ ESO?
Hay una escena al principio de la película en la que Marion hace una broma, y Larry le hace otra y ambos se ríen. Ambos se ríen de verdad. Para mí, eso lo dice todo. Se agradan. Están bien. Por supuesto han pasado cosas buenas y cosas malas a lo largo de los años, y, no todo ha sido fácil, pero no se trata de la historia de un matrimonio en crisis. Las personas que pueden reírse así están bien. Eso es todo Tracy y Laurie y la habilidad que tienen como actores para dar esa sensación de una vida en un mínimo de tiempo.
Una parte de su historia de fondo que analizamos era que Marion era mayor cuando se casaron, y ella pensaba que no podría quedar embarazada. Así que adoptaron, pero luego, ella quedó embarazada en forma inesperada. Podría haberlo expuesto, pero las familias no van por la vida dando explicaciones. Simplemente existen tal cual son, saben qué los mantiene juntos y qué hace que formen una unidad. Siempre me han gustado las películas que no explican en exceso. A veces las cosas en las películas se explicitan, mientras que en la vida, simplemente encontramos tipos diferentes de familias y no siempre conocemos una historia de fondo.

¿ESTABAN SUS VIDAS BASADAS EN ALGUNA FORMA EN SUS PROPIOS PADRES?
Ellos son sus propios personajes, y existen en el universo ficcional de la película. Sin embargo, hay una generosidad hacia mis padres, su capacidad de abrir su hogar a las personas que lo necesitan, que siempre me ha resultado muy conmovedor. Me enseñaron que la genética no es lo que forma una familia, el amor lo hace y que siempre debes compartir lo que tienes en la forma que puedas.

¿PUEDE HABLARNOS DE MIGUEL Y EL ACTOR QUE LO INTERPRETA, JORDAN RODRIGUES?
Quería que la relación de Miguel con sus padres fuera mucho más sencilla, mucho menos tensa. Él nunca peleaba con su madre en la forma en que lo hace Lady Bird. Pero él y Shelly han caído en ese extraño espacio liminal que en que se encuentran tantos graduados universitarios: te has graduado de la universidad, pero tu vida adulta todavía está por comenzar.
Están profesionalmente estancados. Ambos son muy inteligentes (Berkeley) y muy conscientes (veganismo) pero no se han puesto a pensar cómo traducir sus ideales a la vida laboral moderna. Los piercings no ayudan. Esa cosa de estar atrapado que atraviesan también le da un matiz a la idea de Lady Bird de que la universidad puede ser su posibilidad de "escapar”. Es el contra argumento a esta narrativa muy recta.
Pienso que con frecuencia imaginamos que nuestras vidas se mueven en una línea cuando en realidad toman curvas y bajan en picada y doblan otra vez.
Jordan fue muy divertido en su audición, pero también tiene ese lado increíblemente dulce y vulnerable, que fue esencial para hacia donde tenía que ir en la historia. Cuando aparece en la entrevista de trabajo, de pronto ves su necesidad y su temor. Ves al niño que era y al hombre en que todavía está por convertirse.
Fue muy importante para mí que cada persona fuera de la órbita principal de Lady Bird y su madre, ya sea Larry o Miguel y Shelly o el Padre Leviatch o Julie o el Sr. Bruno, fuera un personaje que si te concentrabas en cualquiera de ellos, pudieras hacer una película entera sobre su vida. Que fueran personas reales. Que no fueran simplemente funciones en la vida de Lady Bird. Cada uno en su propia ópera. En una gran película de ensamble, no tienes tanto tiempo con cada persona, así que cada escena debe tener impacto. Para lograrlo, se necesitan actores que puedan aportar esa sensación de una vida entera fuera del momento en que los ves. Miguel es un hermano mayor enojado, pero luego también es un chico que lucha.

¿CÓMO LLEGÓ A SELECCIONAR A LUCAS HEDGES PARA EL PAPEL DE DANNY?
Vi a Lucas en Manchester by the Sea en Sundance en una de esas proyecciones a las 8:00 de la mañana y después no pude dejar de llorar o pensar acerca de su brillante actuación. Le dimos el guión y me reuní con él en Los Ángeles y le dije que podía interpretar cualquier papel que quisiera. Eligió a Danny, que fue exactamente lo que yo esperaba que hiciera.

¿QUÉ ES LO QUE A LADY BIRD LE RESULTA ESPECIALMENTE ATRACTIVO ACERCA DE DANNY?
Lady Bird es en ese momento en donde ella ama amar y está buscando un objeto en donde proyectar, y Danny es un tan buen objeto. Es agradable y apuesto y es el tipo de novio que sueñas que tu hija traiga a casa.
Lo que siempre sentí acerca de Danny fue que Lady Bird no está equivocada en amarlo, ella está equivocada acerca de la forma que debe hacerlo. Lo que la atrae es real. No, él no está siendo fiel a sí mismo, y él no está finalmente interesado en ella desde el punto de vista romántico. Pero realmente le agrada ella, y realmente desea estar cerca de ella, porque ella es salvaje y arrogante y libre. Él está simplemente tan presionado por determinadas expectativas de su familia y el mundo de la comunidad católica en 2002.
Hubo tanto progreso en términos de derechos y conciencia de LGBTQ en los últimos quince años, pero 2002 fue una era distintivamente diferente, en especial en lugares que no eran grandes centros urbanos. Cuando estaba en la secundaria, nadie estaba “out”. Nadie. No podías estarlo. Estabas vencido o peor. Gracias a Dios eso cambió. Pero no es historia antigua. Eso simplemente sucedió. Ahora, es algo tan sorprendente ver a los niños sentirse más cómodos en su propia piel y aceptados por sus comunidades. Danny desea terriblemente ser la persona que Lady Bird desea que él sea, y si bien es una negación de quien es, es increíblemente cariñoso y atractivo. Él desea poder ser el novio perfecto. Pero termina siendo el amigo perfecto.

¿QUÉ IMPACTO TIENE ESA RELACIÓN EN LADY BIRD?
Inicialmente, Lady Bird ve a Danny como parte de la historia de su vida sin ver la historia de él. Luego, cuando él la visita en la cafetería, es el momento en que Lady Bird comienza su transformación y lo ve como una persona con su propia narrativa.
No creo que las personas cambien en un instante. Pero en ese momento, de pronto el peso de su persona la golpea, y es cuando la historia comienza a cambiar.

HABLEMOS ACERCA DE KYLE. ¿CÓMO LLEGÓ A SELECCIONAR A TIMOTHÉE EN EL PAPEL?
Timothée adicionó para mí, y era simplemente un actor tremendo, tan joven y talentoso e inteligente. Fue a la Universidad de Columbia, es pianista, habla francés e italiano y es honestamente bastante intimidante. Había algo acerca de su intelecto supremo que pensé que funcionaria bien para Kyle. Kyle es un personaje frustrante, pero es muy filoso. Es fácil reírse de sus ideas, pero están basadas en la capacidad real de un pensamiento profundo. Timothée podía hacer eso de forma tal que pareciera auténtico.
Le di mucha literatura para leer sobre el socialismo, teoría económica y matemática y también escritura académica sobre Internet. Hay un libro de ensayos llamado The Internet Does Not Exist, que me encantó, y le di mi copia a Timmy. Él lo leyó, así como las notas que yo había escrito en los márgenes. Estaba ligeramente sorprendido de que yo compartiera tanto de la visión del mundo de Kyle. Me dijo: “Todos pensarán que eres Lady Bird, pero en realidad, eres Kyle.” Le hice ver My Night At Maud’s, la película de Eric Rohmer, así pudo absorber los ritmos de un hombre joven que está seguro de que le está hablando correctamente a una mujer, no a ella.

¿QUÉ ES LO QUE A LADY BIRD LE RESULTA ATRACTIVO ESPECÍFICAMENTE ACERCA DE KYLE?
A través de Kyle, Lady Bird experimenta esa atracción sexual que te da vuelta por primera vez. Las instrucciones para el actor dicen: “Ella entiende todas las canciones R&B en un segundo”.
Es verdadera lujuria. Ella construye una narrativa acerca de él que no existe, porque es lo que hacen las chicas adolescentes.
Yo reproducía muchas canciones de las películas de John Hughes en el escenario, desde Pretty in Pink y Sixteen Candles. Películas que amo. Las mujeres están criadas con esos romances y es muy difícil sacudir sus ideales. Incluso cuando queda increíblemente claro que el objeto de su afecto no se está comportando como un ídolo estrella de cine. Deseaba que la película estuviera dentro de la fantasía y fuera de ella: sentir la intensidad de las emociones mientras reconocía que era un castillo construido sobre arena.

¿CÓMO ENCONTRÓ A BEANIE FELDSTEIN PARA EL PAPEL DE JULIE?
Beanie Feldstein llegó y adicionó para Julie, y ella hizo exactamente la actuación que se ve en la película. Estaba justo allí, de inmediato. Era muy emocional, muy abierta, divertida pero sin arco, y nunca autocompasiva. Había resiliencia en eso. Después de entrar en la sala de audiciones, tuve un momento totalmente Hollywood en que me di vuelta y le dije a los directores de selección de actores: “Esta es nuestra Julie”.

¿QUÉ SIGNFIFICA ESA AMISTAD PARA EL PERSONAJE DE LADY BIRD?
Es la pura amistad-amor de su juventud. Hay una cualidad, cuando te haces amigo-enamoras de alguien en la secundaria, y generalmente pienso que sucede en la secundaria porque es la primera vez que tienes autonomía real, en donde literalmente podías pasar cada hora despierto con ellos y seguir queriendo más. Desde el momento que te dejan en tu casa, los llamas y les dices: “¿Qué estás haciendo ahora?”
Me gusta apropiarme de los tropos de cine desde romances entre chicas y chicos hasta otras relaciones, como una madre que corre al aeropuerto para encontrar a su hija, no un hombre que busca a una mujer. Del mismo modo, el momento en que Lady Bird va y busca a Julie para el baile de promoción, tiene la misma sensación de “Ve y consigue a tu chica” que obtienes en las historias de amor heterosexual. Es el momento boombox-over-the-head, pero con tu mejor amiga.

NO PUDE EVITAR ADVERTIR QUE UNA GRAN PARTE DEL ELENCO TIENE ANTECEDENTES TEATRALES.
Sí.

¿FUE ESA UNA ELECCIÓN CONSCIENTE MIENTRAS SELECCIONABA O SIMPLEMENTE OCURRIÓ EN FORMA ORGÁNICA?
Me encantan los actores de teatro. Me encanta el teatro. Soy una nerd del teatro. Mi primer amor fue el teatro y nunca lo superé. Los actores veteranos en esta película, Lois Smith, Stephen McKinley Henderson, Laurie Metcalf, y Tracy Letts, son personas que he mirado y admirado y sobre las que he leído durante años. Son esos gigantes del teatro estadounidense. Tener la ayuda de Scott Rudin fue clave para acceder a este calibre de actores. Cada vez que voy a su oficina, veo todos los pósters en la pared y ellos representan lo mejor del cine y del teatro, algo de mis cosas favoritas que jamás se haya hecho.

HABLEMOS UN POCO DEL AÑO ESPECÍFICO EN EL QUE ESTÁ AMBIENTADA LA PELÍCULA, 2002.
La respuesta simplista es que no estaba interesada en filmar teléfonos inteligentes. Si haces una película sobre adolescentes en la actualidad, gran parte de su vida tiene lugar en línea y no sabes cómo harías una película sobre ellos sin filmar un montón de pantallas.
La respuesta más honesta es que quería hacer una película que tuviera lugar inmediatamente después del mundo post 9/11, lo que considero como el comienzo de una era totalmente nueva que recién ahora comenzamos a comprender. Mi objetivo no era comentar sobre política mundial ni economía doméstica, sino presentarla. Vivimos a través de la erosión total de la clase media. Todavía vivimos dentro de ese nuevo paisaje económico. La invasión de Irak es un recuerdo muy vívido para mí, si bien estaba en la universidad, no en la secundaria, cuando sucedió. Y, por supuesto, hoy todavía estamos allí, no hemos retirado todas las tropas. Estaba interesada en la guerra moderna televisada, la propaganda y el teatro de eso. Como el horror está disponible para ti pero también totalmente administrado y distante.
Existe el terror de la guerra y la incertidumbre del mercado laboral, y también hay enamoramiento y amistad. La vida no se divide en temas. No hay una historia por allí y la vida personal por allá. Sucede todo junto.

USTED HABLÓ UN POCO SOBRE CÓMO LA ICONOGRAFÍA Y LA NARRATIVA DEL CATOLICISMO HAN INFLUIDO EN USTED COMO ARTISTA Y SU PUNTO DE VISTA. ¿CÓMO PIENSA QUE EL CATOLICISMO SE INCLUYE EN LA VIDA DE LADY BIRD?
Al principio en la película, durante la secuencia de créditos en la iglesia, las primeras palabras que se escuchan son: “En el nombre del Padre, del Hijo y del Espíritu Santo”. Esto siempre se dice en masa, todo el tiempo, constantemente. Como una chica adolescente, piensas: “Bueno, ¿dónde estoy yo en esas personas? No soy padre, hijo ni espíritu santo”. Pienso que podría esforzarme por ser la Virgen María, pero eso parece fuera de lugar, no el evento principal, del algún modo. Es un sentimiento de "¿Dónde encajo yo en esta estructura patriarcal?"
Pienso que la religión es narración, una forma de crear un sentido de la vida, y es difícil si no te ves reflejada en ella. Lady Bird se enfrenta a este problema, y clama contra eso.
Sin embargo, el personaje de Lois Smith, la Hermana Sarah Joan, presenta un lado alternativo del catolicismo. Ella no es efusiva ni empalagosa, sino que es sólida y agradable de manera realista. Es un poco dura, pero muy involucrada en la vida de sus estudiantes. Ella presenta otra opción, otra forma de expresar la fe.
La idea de gracia, desde el punto de vista teológico, me fascina. No es algo que puedes obtener, se te brinda. No se trata de que seas una buena persona y por eso experimentas la gracia. El bautismo es un momento de gracia. Se podría considerar como algo que salva a los bebés del infierno, pero también se podría ver como una experiencia de amor y gracia antes de poder hacer algo que "mereces”. Una definición de gracia que he escuchado es que es generosa, libre y totalmente inesperada e inmerecida. Este tipo de gracia le sucede continuamente a Lady Bird, y su viaje consiste en aceptarla.
Lady Bird no es específicamente un personaje religioso, y ella no tiene una experiencia mística, pero es la ocasión para su transformación. El lugar del que proviene y la tradición con la que fue criada le dio raíces y alas. Ella regresa a la iglesia al final porque es su hogar, pero no puede quedarse allí. Ella solo puede avanzar y aceptar los dones que se le han dado y “agradecer”.

¿QUÉ PAPEL VE QUE JUEGA LA CLASE EN LA PELÍCULA? LADY BIRD TIENE UNA CLARA VERGUENZA POR SU PROPIO STATUS SOCIAL. ¿POR QUÉ ESO ES TAN IMPORTANTE PARA EL PERSONAJE?
No creo que nadie alguna vez sienta que tiene demasiado o es demasiado. La especial fijación de Lady Bird con la clase se basa en algo real: su familia tiene dificultades financieras. Además, están atrapados en una clase media apretada, en donde la mayor parte de los recursos y dinero están cambiando al máximo. Sin embargo, uno de los temas de la película consiste en reconocer las riquezas de tu vida, comprender cuánto tienes, no cuán poco tienes. En una sociedad hiper-capitalista en donde hay “tiene” y “no tiene”, es difícil conectarse con el sentimiento de “suficiente”, pero es parte de su viaje.
Además, pienso que para las chicas es mucho más difícil que para los muchachos cuando se trata de conectar su autoestima con la situación financiera de su familia. Los muchachos tenían la misma presión, pero había un menor status conferido por las cosas, y ellos siempre tenían la ruta de escape de los deportes. Si eras bueno en los deportes, estabas salvado. La cultura de las chicas se centraba en torno a cuánto dinero costaban tus zapatos y cuán elegante era tu automóvil.
Parte de ser una adolescente era usar tu dinero en las marcas de tu ropa. Deseabas que las personas supieran cuánto gastabas en lo que tenías. Es algo que a Lady Bird le resulta increíblemente desagradable pero también envidia.

¿POR QUÉ ELIGIÓ TERMINAR LA PELÍCULA EN NUEVA YORK DESPUÉS DE QUE LADY BIRD PARTIERA A LA UNIVERSIDAD?
No creo que los finales sean verdaderos finales ni tampoco que los comienzos sean verdaderos comienzos. Siempre estás en el proceso de mirar hacia atrás y cerrar una historia que parece haber terminado aparentemente. Despegar en el avión: ese es un final falso, y un falso comienzo de una nueva historia. Ella no terminó con su vieja vida simplemente porque se sube a un avión.
Existe el concepto cuáquero en el que pensaba al hacer esta película, la idea de “Camino abierto” y también “Camino cerrado”. “Camino abierto” es el sentimiento que los próximos pasos son claros para ti, de que por donde tienes que caminar está trazado para ti. “Camino cerrado” es lo contrario. Es mirar hacia atrás desde donde viniste y advertir que las puertas están cerradas. El final de la película es un momento de ambos “Camino abierto” y “Camino cerrado”. No hay ningún lugar hacia donde ir, excepto hacia adelante, dado que nunca se puede volver a la niñez. Simplemente puedes dar las gracias y avanzar en tu nueva vida.

ESTÁ BIEN. HABLEMOS UN POCO SOBRE ALGUNOS ASPECTOS TÉCNICOS DE LA PELÍCULA. CUÉNTEME ACERCA DE SU COLABORACIÓN CON EL CINEASTA SAM LEVY Y A QUÉ APUNTABAN CON EL ASPECTO DE LA PELÍCULA.
Sam Levy ha rodado tres películas de las cuales participé, dos de las cuales coescribí y he sido increíblemente bendecida de tenerlo como colaborador. Adoro la forma en que él ve el mundo. Pasábamos horas juntos mirando fotografías y películas, preseleccionando y hablando sobre películas. Había una lenguaje compartido que teníamos que surgió a través de los años de trabajar juntos y yo confío plenamente en él. Parecía mi otra mitad, y teníamos una comunicación que era invaluable mientras hacíamos la película.
Quería que cada toma estuviera específicamente enmarcada, como un tríptico medieval, con bastante de presentación. Nada inestable ni de mano ni documental. Hablamos acerca de tener siempre un sentido de proscenio, de la película que se despliega en una serie de escenas como el Vía Crucis presenta la historia de la Pasión.
Siempre ha visto la historia como un tipo de alegoría y deseaba que la fotografía reflejara eso.
También queríamos que el color pareciera un recuerdo de una época, no que fuera literalmente exacto a como se ve el mundo. Al mismo tiempo, no deseábamos adornarlo demasiado. Quería que Sacramento se viera hermosa porque se la retrataba con honestidad, del mismo modo que buscaba que los personajes fueran hermosos debido a sus defectos y no a pesar de ellos. 
Observamos las pinturas de Wayne Thiebaud y Gregory Kondos porque captan el color, lo llano y la belleza que son específicas del Norte de California.
La densidad de los pasteles que usan siempre me parece como estar en casa.
Así que para lograr eso Sam Levy y yo trabajamos muy estrechamente con nuestro colorista, Alex Bickel, que es un verdadero artista. Él estuvo con nosotros desde el principio y nos ayudó a establecer el aspecto de la película. Hubo muchas pruebas, mucho de ensayo y error para encontrar nuestro aspecto.
Me la pasé diciendo que deseaba sentir como si la película estuviera "allí". Siempre quería sentir el cuadro y sentir el medio del cine.

CUÉNTEME ACERCA DE LA EXPERIENCIA DE EDITAR LA PELÍCULA Y TRABAJAR CON NICK HOUY.
Nick Houy realmente llegó hacia mí a través de Jen Lame, que había editado Frances Ha y Mistress America. Editar es como escribir la película otra vez, y cuando Nick inicialmente leyó el guión, respondió con notas muy cuidadosas que parecían de un escritor.
Entendió el tono que buscábamos, cómo se parecía a una canción pop que solo adviertes que es triste cuando otra persona hace un cover en un tempo más lento y escuchas la letra.
Me gustan las películas que están en el medio, que no adviertes que están tejiendo una historia por debajo. Mike Leigh es uno de mis realizadores favoritos y sus películas tienen esa cualidad. Nick Houy entendió la ligereza que yo deseaba, la forma en que la película sería banal y sorprendente como olas que rompen en la playa, pero que de pronto la resaca se volvería aparente y antes de que pudieras darte cuenta, estás en aguas mucho más profundas de lo que esperabas.

¿HUBO ALGO QUE TUVIERON QUE ELIMINAR QUE REALMENTE AMABA EN LA EDICIÓN? ¿ALGO QUE DEBÍA IR?
La mayoría de lo que estaba en el guión está en la película. Dado que escribí muy pocas películas y estuve muy involucrada en el proceso de edición, tenía un buen sentido de lo que desearía en la versión final.
Había algunas cosas. Un adiós entre Julie y Lady Bird que tuve que eliminar porque parecía que ya se habían despedido. También había un discurso de campaña en donde Lady Bird se presenta para un Cuerpo estudiantil que simplemente no encajaba.
Principalmente, sin embargo, la dificultad residía en reconocer que no podía usar cada gran toma que mis actores me dieron. Tuve que seleccionar una lectura de una línea, y todos me dieron material tan increíble con cada toma.

CADA ESPACIO QUE USA EN LA PELÍCULA TIENE UNA PERSONALIDAD MUY DISTINTIVA. ENCAJA TOTALMENTE EN EL PERÍODO TEMPORAL. ENCAJA PERFECTAMENTE EN LA HISTORIA. ¿CÓMO USTED Y SU DISEÑADOR DE PRODUCCIÓN, CHRIS JONES, LOGRARON ESTO?
Conocí a Chris Jones cuando trabajé en la película de Mike Mills 20th Century Women. Esa película tenía un mundo tan específico. Era Santa Bárbara en 1979 y él hizo un trabajo increíble al crear algo muy particular. Era muy sensible y cuidadoso. Conoce el sentido de una silla versus otra silla, si eso tiene sentido. Sabe que los objetos tienen una historia y psicología y personalidad. Además, Chris es pintor y entonces tiene un fuerte sentido del color y la emoción que generan los colores. Trató a cada escenario como una pintura de naturaleza muerta, podías fotografiarlo y transmitía tanta información y sentimiento.

MUY BIEN. EL VESTUARIO. ES SENCILLO, PERO CADA VESTUARIO ES INCREIBLEMENTE ESPECÍFICO Y COINCIDE A LA PERFECCIÓN CON EL PERSONAJE.
¿PUEDE CONTARME ACERCA DE SU COLABORACIÓN CON APRIL NAPIER?
April Napier también llegó por recomendación de Mike Mills. Me reuní con ella y teníamos puesto el mismo conjunto. Eso pareció un signo si alguna vez hubo uno.
Le di a ella anuarios para ver e investigamos en fotografías y revistas, toda la investigación habitual, pero pienso que lo que fue realmente mágico acerca de su proceso fue como ella colaboraba con los actores. Tenían reuniones por su cuenta y luego me mostraban lo que habían descubierto. Ella y Beanie aparecieron con un pequeños clips que Julie tiene puestos en el cabello y sus Skechers blancas. Ese tipo de atención a los detalles es lo que siempre busco. Considero que cada departamento cuenta la historia a través de su medio particular, y para ella era la ropa.

¿QUÉ SUCEDE CON LA MÚSICA? ¿CÓMO FUE EL PROCESO DE TRABAJAR CON JON BRION? ¿QUÉ DESEABA LOGRAR CON LA MÚSICA?
Jon Brion es mi músico/compositor/productor favorito de todos los tiempos, y trabajar con él fue un sueño hecho realidad. Es una música de película antigua con melodía, que es exactamente lo que yo había soñado. No quería que la música pareciera como de fondo o ambiente, quería que estuviera presente y estuviera estructurada, en el primer plano de la narración. En la primera conversación que tuvimos él interpretó un bosquejo de lo que se convertiría en el tema de la película. El tema de Lady Bird, esta melodía con giros descendentes, que se cae y se vuelve a levantar. Él ya tenía una idea de instrumentos de viento de madera, que parecían más delicados que las cuerdas pero igual de emotivos.
Él es nocturno así que yo volé a LA y me quedé con él toda la noche. Había comenzado a trabajar en ello alrededor de las 10 p.m. y terminó a las 6 a.m. Hablamos, vimos escenas de la película, y luego se sentó en el piano y compuso bellas melodías. Luego, terminamos y hablamos un poco más. Acerca de películas, de la vida y de todo. A veces, yo simplemente le explicaba un sentimiento y luego él tocaba algo en el piano que era literalmente el equivalente musical de ese sentimiento. Parte a parte, él desarrolló nuestra música de esa forma.

LAS CANCIONES QUE SELECCIONÓ PARA LA PELÍCULA: SE LAS INGENIAN PARA DESTACAR LOS RITMOS EMOCIONALES, Y TAMBIÉN CAPTAN EL PERÍODO TEMPORAL. CUÉNTEME ACERCA DE LAS DECISIONES QUE TOMÓ Y POR QUÉ LAS TOMÓ.
Yo quería las canciones en la película, los momentos en que cae una aguja, reflejaran realmente el gusto de una adolescente de ese momento y de ese lugar. No quería que los personajes escucharan música que en realidad no conocían. La música es la forma en que los adolescentes se conectan con el mundo “allí afuera”, la forma en que encuentran articulación para su lujuria, angustia, deseo.
Algunas de las canciones que aparecen en la película yo las escribí en el guión, como “Hand in My Pocket” de Alanis Morissette y “Crash Into Me” de Dave Matthews. Alanis porque ella era mi Patti Smith, mi Kate Bush, mi Stevie Nicks. “Ella era una mujer que compuso su propia música y letra e interpretaba esas canciones muy emotivas que parecían que estaban escritas justo para mí. Y siempre he pensado que "Crash" esta allí con las canciones más románticas que se hayan compuesto. Recuerdo reproducirla en loop y sentir que nadie jamás me besaría. No conozco ninguna otra canción que se conecte más profundamente con la nostalgia de la adolescencia. 
"Cry Me a River” de Justin Timberlake era dueña del puente 2002-03 y es tan gruñona y sexy y de ese momento exacto.
A menudo con películas de época, la música y el diseño serán de ese año exacto. Si tiene lugar en 1955, de pronto cada automóvil en la calle de es de ese año, pero así no es como funciona el mundo. También tienes automóviles de 1951. No toda la moda estaba exactamente actualizada. Lo mismo sucede con la música, los éxitos de la década de 1990 aún sonaban en la radio.
Merrily We Roll Along es mi musical favorito. Mi esperanza para Lady Bird es que le brinde al público un poco del sentimiento que tuve al ver Merrily de Sondheim por primera vez. Esa sensación de que el tiempo se escurre, el futuro se abalanza sobre el presente, los lazos de la niñez como lo único que vive en la memoria. Es doloroso y bello y fugaz y lo que siempre busco en el arte.

ACERCA DEL ELENCO
SAOIRSE RONAN
(Lady Bird) comenzó su carrera con tan solo 13 años con su actuación aclamada por la crítica como Briony Tallis en Atonement, frente a Keira Knightley y James McAvoy. El papel le valió sus nominaciones al Academy Award®, Globo de Oro y BAFTA como Mejor actriz de reparto. Ronan protagonizó como Eilis en la película de Fox Searchlight nominada al Academy Award®, Brooklyn, escrita por Nick Hornby y dirigida por John Crowley. Su interpretación de una joven mujer irlandesa en la década de 1950, obligada a elegir entre dos hombres y dos países, le valió sus nominaciones al Academy Award®, Globo de Oro y BAFTA como Mejor actriz protagónica. Se la vio en The Grand Budapest Hotel de Wes Anderson junto a Ralph Fiennes, Adrien Brody, Jude Law, Bill Murray y Edward Norton. En 2016, Ronan hizo su debut en Broadway en la reposición de The Crucible de Ivo van Hove junto a Ben Whishaw, Sophie Okonedo, y Ciaran Hinds. Sus otros créditos cinematográficos incluyen el thriller de acción de Focus Features Hanna, dirigida por Joe Wright; The Lovely Bones de Peter Jackson (nominación BAFTA como Mejor actriz protagónica); y The Way Back de Peter Weir, protagonizada por Ed Harris y Colin Farrell.
Recientemente finalizó la producción de On Chesil Beach de Dominic Cooke, escrita por Ian McEwan y basada en su novela del mismo nombre. Ronan actualmente participa en la producción de Mary Queen of Scots de Focus Features, interpretando al personaje principal.

LAURIE METCALF (Marion) recibió el Tony Award® 2017 por Mejor actuación de una Actriz en un papel protagónico en una obra por su actuación en A Doll’s House, Part 2. Los créditos adicionales de Broadway de Metcalf incluyen Misery (nominación Tony® 2016 como Mejor actriz protagónica), The Other Place (nominación Tony® 2013 como Mejor actriz protagónica), y November (nominación Tony® 2008 como Mejor actriz de cine). Ella es miembro original de Steppenwolf Theatre Company en Chicago. Metcalf recibió tres premios Emmy por Mejor actriz de reparto por su trabajo en la serie de televisión “Roseanne,” y fue nominada por “3rd Rock From the Sun,” “Monk,” “Desperate Housewives,” “Getting On,” “The Big Bang Theory” y “Horace and Pete” de Louis C.K. Sus películas incluyen Desperately Seeking Susan, Leaving Las Vegas, Uncle Buck, JFK, Internal Affairs, y la serie de Toy Story. A la Srta. Metcalf se la verá en la próxima producción de Broadway de Three Tall Women por Edward Albee, junto a Glenda Jackson.

TRACY LETTS (Larry) es un dramaturgo, guionista y actor estadounidense que recibió el premio Pulitzer 2008 al Teatro por su obra August: Osage County y un Tony Award® por su interpretación de George en la reposición de Who’s Afraid of Virginia Woolf? Ha escrito guiones de tres películas adaptadas de sus propias obras: Bug y Killer Joe, ambas dirigidas por William Friedkin, y August: Osage County, dirigida por John Wells. Este año, a Letts se lo vio junto a Debra Winger en The Lovers, y le prestó su voz a “Comrade Detective” de Amazon Studios. Luego, Tracy aparecerá en The Post de Steven Spielberg junto a Tom Hanks, Allison Brie, Meryl Streep, Sarah Paulson y Carrie Coon. Previamente, a Letts se lo vio junto a Rebecca Hall en el drama biográfico de Antonio Campos Christine, que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance 2016. Letts coprotagonizó frente a Logan Lerman en Indignation, basada en la novela de Philip Roth del mismo nombre. Apareció en la comedia dramática 2015 The Big Short dirigida por Adam McKay. La película fue nominada a cinco Academy Awards® que incluyen Mejor película, Mejor director, Mejor actor de reparto para Bale, y Mejor guión adaptado, ganando este último. En 2013 y 2014, durante la tercera y cuarta temporada del éxito de Showtime “Homeland”, Letts interpretó al director de la CIA Andrew Lockhart. Fue nominado, junto con el resto del elenco, a un premio Screen Actors Guild por Actuación destacada de un ensamble en una serie dramática. Letts reside en Chicago con su esposa, Carrie Coon, y es miembro de Steppenwolf Theatre Company.

A LUCAS HEDGES (Danny) se lo vio por última vez en la película ganadora del Academy Award® de Kenneth Lonergan Manchester by the Sea, por la que recibió una nominación al Academy Award®. Además, Hedges recibió el premio Actuacion Destacada del Año de National Board of Review y un premio Critics’ Choice como Mejor actor joven. También fue nominado para el premio Gotham Independent Film como Mejor actor de gran avance, un premio Critics’ Choice como Mejor actor de reparto, y un premio Independent Spirit como Mejor actor de reparto. Antes este año, Hedges hizo su debut en el escenario de Nueva York en Yen de Anna Jordan, dirigida por Tripo Cullman, que le valió una nominación al premio Lucille Lortel. Otros créditos cinematográficos incluyen Moonrise Kingdom y The Grand Budapest Hotel de Wes Anderson; Labor Day de Jason Reitman; The Zero Theorem de Terry Gilliam; Kill The Messenger de Michael Cuesta; y Arthur Newman de Dante Ariola. Próximamente, a Hedges se lo puede ver en la película de Martin McDonagh Three Billboards Outside Ebbing, Missouri frente a Frances McDormand; el debut como director de Jonah Hill Mid ’90s; y Boy Erased de Joel Edgerton.


TIMOTHÉE CHALAMET (Kyle) recientemente interpretó el papel principal en Beautiful Boy, frente a Steve Carrell y dirigida por Felix van Groeningen. Otros créditos cinematográficos incluyen Hostiles de Scott Cooper, frente a Christian Bale y Rosamund Pike; Interstellar de Christopher Nolan, frente a Matthew McConaughey y Anne Hathaway; Love the Coopers de Jessie Nelson; y Men, Women & Children de Jason Reitman. Chalamet recibió elogiosas críticas por su actuación en Miss Stevens de Julia Hart, protagonizando frente a Lily Rabe. Primero se lo advirtió en la segunda temporada de “Homeland” de Showtime, frente a Claire Danes y Damian Lewis. Él interpreta el papel principal en Call Me by Your Name de Luca Guadagnino, que recibió fantásticas críticas en los Festivales de Cine de Sundance y Berlín 2017. El año pasado, recibió un premio Lucille Lortel y una nominación al premio Drama League como Mejor actor por su actuación en el estreno mundial de la obra de John Patrick Shanley Prodigal Son. Chalamet actualmente está trabajando en la próxima película de Woody Allen junto a Elle Fanning y Selena Gomez.

A BEANIE FELDSTEIN (Julie) se la puede ver en Broadway en el musical Hello, Dolly! protagonizada por Bette Midler. A ella se la vio recientemente en pantalla en la película de Nicholas Stoller Neighbors 2: Sorority Rising junto a Seth Rogen, Zac Efron, Rose Byrne, y Chloë Grace Moretz. A Feldstein se la verá en la próxima película Whitney Cummings The Female Brain con Sofia Vergara. »Sus créditos de televisión incluyen “Fan Girl” de ABC, “Orange Is The New Black” de Netflix y “The Devil You Know,” un piloto de HBO dirigido por Gus Van Sant.

STEPHEN MCKINLEY HENDERSON (Padre Leviatch) Considerado entre los intérpretes más celebrados de la obra del dramaturgo August Wilson, Henderson fue nominado para un Tony Award® y ganó el premio Richard Seff por su actuación como Bono en la reposición de 2010 de Fences con Denzel Washington y Viola Davis, y posteriormente repitió el papel en la adaptación cinematográfica de la nominada al Academy Award®, dirigida por Washington. Recibió un premio Drama Desk, un Obie, y un AUDELCO como parte del ensamble del estreno de Nueva York de Jitney de Wilson en 2010. También obtuvo premios Obie y Lucille Lortel por la ganadora del premio Pulitzer de Stephen Adly Guirgis Between Riverside and Crazy, en la que Henderson creó el papel principal. Su trabajo en cine y televisión incluye Manchester by the Sea; la serie de HBO de Aaron Sorkin “The Newsroom”; Lincoln de Steven Spielberg; Tower Heist; Extremely Loud & Incredibly Close; Red Hook Summer de Spike Lee; y Everyday People para HBO Films. Henderson es Profesor retirado y ex Presidente del Departamento de Teatro y Danzas de la Universidad Estatal de Nueva York en Buffalo y también es miembro de LAByrinth Theater Company, The Actor’s Center, y Fox Foundation Fellow.

LOIS SMITH (Hermana Sarah Joan) recientemente apareció en la película y producción de Playwrights Horizons de Marjorie Prime. Smith es ampliamente conocida
por su vasto trabajo en teatro. Ella hizo su debut en Broadway a los 22 años en Time Out For Ginger en 1952. Su siguiente producción de Broadway fue The Wisteria Trees, protagonizada por Helen Hayes, y en 1956 protagonizó junto a la Srta. Hayes en The Glass Menagerie. Otros créditos de Broadway incluyen The Young and Beautiful, Orpheus Descending, Edwin Booth, Bicycle Ride to Nevada, The Iceman Cometh, Stages, The Grapes of Wrath (nominación al Tony Award® como Mejor actriz en una obra), y Buried Child (nominación al Tony® por Mejor actriz en una obra). Sus créditos fuera de Broadway incluyen a John de Annie Baker en Signature Theatre Company, por la que recibió una nominación al premio Lucille Lortel como Actriz destacada en una obra; After the Revolution de Amy Herzog (nominación Lucille Lortel); The Illusion de Tony Kushner; y The Old Friends de Horton Foote y The Trip to Bountiful, por la que recibió premios Obie, Drama Desk, Outer Critics Circle, y Lucille Lortel. Su primera película fue East of Eden, seguida de The Comedian, Five Easy Pieces, Minority Report, Twister, y Dead Man Walking. Diversos créditos de televisión incluyen, más recientemente, “Sneaky Pete”, “Younger”, “The Blacklist”, “The Affair”, “Grace and Frankie”, “The Americans” y “True Blood”.

ODEYA RUSH (Jenna) es mejor conocida por su papel protagónico en Goosebumps de Sony frente a Jack Black y Dylan Minnette. Ella actualmente está filmando Dumplin’ de Anne Fletcher con Danielle MacDonald y Jennifer Aniston, y recientemente finalizó la producción del thriller psicológico de Simon Kaijser Spinning Man, frente a Guy Pearce, Pierce Brosnan y Minnie Driver. A ella actualmente se la puede ver en The Hunter’s Prayer de Jonathan Mostow junto a Sam Worthington. Otros créditos cinematográficos de Odeya incluyen The Giver de The Weinstein Company frente a Meryl Streep y Jeff Bridges, y The Odd Life of Timothy Green de Disney, con Joel Edgerton y Jennifer Garner.

 

JORDAN RODRIGUES (Miguel) recientemente protagonizó Dance Academy: The Movie como Christian Reed, basada en la muy exitosa serie de televisión australiana. El año pasado, protagonizó como invitado en la serie de comedia de MTV “Faking It”, y fue protagonista en Breaking Through de John Swetnam, producida por John Legend. Actualmente repite en la serie Freeform “The Fosters” y recientemente protagonizó la miniserie de alto perfil "A Better Man” basada en la historia real de dos hermanos atrapados traficando heroína desde Singapur hasta Australia. Los créditos adicionales de televisión de Rodrigues incluyen la serie de NBC “Camp”, la serie australiana “Dance Academy” y “Home & Away”. Rodrigues es oriundo de Australia y de descendencia malaya. Actualmente reside en Los Ángeles.

MARIELLE SCOTT (Shelly) es nativa de Los Ángeles y graduada de la School of Theater, Film and Television de UCLA. Marielle se capacitó ampliamente en el estudio interdisciplinario de actuación para teatro, cine y medios digitales. Siguió su capacitación tomando clases en la Royal Shakespeare Company en Inglaterra.

ACERCA DE LOS REALIZADORES
GRETA GERWIG (Escritora/Directora) ha emergido rápidamente como una de las actrices más atractivas de Hollywood. A Greta se la vio por última vez en 20th Century Women de Mike Mill junto a Annette Bening y Elle Fanning. Gerwig recibió una nominación al premio Critics’ Choice como Mejor actriz de reparto por su interpretación de la fotógrafa Abbie. El año pasado, Gerwig protagonizó en Jackie de Pablo Larrain junto a Natalie Portman y Peter Sarsgaard; Wiener-Dog de Todd Solondz frente a Danny DeVito, Ellen Burstyn, y Kieran Culkin; y Maggie’s Plan de Rebecca Miller frente a Ethan Hawke y Julianne Moore. En 2015, Gerwig protagonizó en Mistress America, una comedia que ella coescribió con el director Noah Baumbach, que se estrenó con fantásticas críticas en el Festival de Cine de Sundance de 2015. La colaboración previa de Gerwig con Baumbach, Frances Ha, le valió a ella nominaciones al Globo de Oro y el premio Broadcast Film Critics Association por Actriz protagónica destacada en una película. La película, que también recibió una nominación al premio Independent Spirit como Mejor película, que se estrenó en el Festival de Cine de Telluride 2012, el Festival de Cine de Toronto y el Festival de Cine de Nueva York. Gerwig primero recibió el elogio de la crítica por su papel inicial como Florence en Greenberg, que marcó su primera colaboración con el escritor/director Noah Baumbach. Su actuación le valió varias nominaciones que incluyen una nominación al premio Gotham por Actuación inicial y una nominación al premio Independent Spirit como Mejor actriz protagónica. Otros créditos cinematográficos incluyen The Humbling de Barry Levinson, frente a Al Pacino y Dianne Wiest; To Rome With Love de Woody Allen, frente a Alec Baldwin, Jesse Eisenberg, y Ellen Page; Arthur, frente a Russell Brand y Helen Mirren; la comedia romántica No Strings Attached con Natalie Portman y Ashton Kutcher; la comedia de Whit Stillman Damsels In Distress; y Lola Versus de Fox Searchlight. Gerwig se graduó magna cum laude de Barnard College y actualmente reside en la Ciudad de Nueva York.

Las películas de SCOTT RUDIN (Productor) incluyen: Ex Machina, Steve Jobs, Best Worst Thing That Ever Could Have Happened, Top Five, While We’re Young, The Grand Budapest Hotel, Captain Phillips, De Palma, Inside Llewyn Davis, Frances Ha, Moonrise Kingdom, The Girl with the Dragon Tattoo, Margaret, Moneyball, True Grit, The Social Network, Greenberg, It’s Complicated, Fantastic Mr. Fox, Julie & Julia, Doubt, There Will Be Blood, Margot at the Wedding, The Darjeeling Limited, No Country for Old Men, Notes on a Scandal, The Queen, Closer, The Life Aquatic, Team America: World Police, The Village, School of Rock, The Hours, Iris, The Royal Tenenbaums, Wonder Boys, Sleepy Hollow, South Park: Bigger, Longer & Uncut, A Civil Action, The Truman Show, In & Out, The First Wives Club, Mother, Clueless, Nobody’s Fool, Addams Family Values, Searching for Bobby Fischer, The Firm, Sister Act, y The Addams Family. El teatro incluye Passion, Seven Guitars, A Funny Thing..., The Chairs, The Blue Room, Closer, Amy’s View, Copenhagen, The Goat, Medea, Caroline, or Change, The Normal Heart, Who’s Afraid of Virginia Woolf?, Doubt, The History Boys, Faith Healer, Stuff Happens, The Year of Magical Thinking, Gypsy, God of Carnage, Fences, The Book of Mormon, The Motherf**ker with the Hat, Jerusalem, Death of a Salesman, One Man, Two Guvnors, Betrayal, A Raisin in the Sun, This Is Our Youth, The Curious Incident..., A Delicate Balance, The Iceman Cometh, Between Riverside and Crazy, Fish in the Dark, The Audience, Skylight, The Flick, King Charles III, A View From the Bridge, The Humans, The Crucible, Blackbird, Shuffle Along, The Front Page, The Wolves, The Glass Menagerie, Hello, Dolly!, y A Doll’s House, Part 2. La televisión incluye: “The Newsroom”, “Silicon Valley” y “The Night Of”.
Las películas de ELI BUSH (Productor) incluyen: While We’re Young, Top Five, Fences, De Palma, Steve Jobs, Ex Machina, Captain Phillips, Mistress America, Inherent Vice, The Grand Budapest Hotel, Frances Ha, Moonrise Kingdom, Extremely Loud & Incredibly Close, y The Girl With the Dragon Tattoo. El teatro incluye The Book of Mormon, Death of a Salesman, Betrayal, A Raisin in the Sun, This Is Our Youth, A Delicate Balance, Fish in the Dark, Skylight, The Flick, A View From the Bridge, The Humans, The Crucible, Blackbird, Shuffe Along, The Front Page, The Wolves, The Glass Menagerie, Hello, Dolly!, y A Doll’s House, Part 2. La televisión incluye “The Newsroom”, “The Night Of” y “Five Came Back”.

EVELYN O’NEILL (Productora) cofundó Management 360 en 2002. O’Neill representa tanto el talento prometedor como establecido que incluye a Julianne Moore, Salma Hayek, Chadwick Boseman, Zach Braff, Bryce Dallas Howard y Greta Gerwig. Nacida y criada en Los Ángeles, O’Neill comenzó su carrera en producción antes de unirse a Suzan Bymen en lo que se convirtió en la firma de gestión boutique Bymel/O’Neill. Es graduada de la Universidad de Harvard con una Maestría en Historia, Teoría y Crítica de Cine de UCLA.

LILA YACOUB (Productora ejecutiva) recientemente produjo la película de Noah Baumbach
The Meyerowitz Stories y Mistress America, así como el debut como director de Jonah Hill Mid ’90s y la primera película de Bo Burham, The Coolest Girl in the World. Ella se desempeñó como productora ejecutiva en la próxima película de Jody Hill The Legacy of a Whitetail Deer Hunter. También productora ejecutiva en el recientemente lanzado drama Crown Heights, del recién llegado Matt Ruskin, basado en un podcast “This American Life”. Se desempeñó como productora en While We’re Young de Baumbach, protagonizada por Ben Stiller y Naomi Watts, así como la aclamada por la crítica del director Frances Ha. También fue productora ejecutiva de Greenberg de Baumbach. Además, fue productora ejecutiva de Top Five de Chris Rock y el debut como director de Jon Stewart Rosewater. Previamente, la Srta. Yacoub se desempeñó como coproductora en Moonrise Kingdom de Wes Anderson y productora ejecutiva en Rampart de Oren Moverman y Paper Man de Kieran y Michele Mulroney. Parte de la serie de películas documentales en HBO, la Srta. Yacoub produjo el documental ganador del premio Emmy de Marina Zenovich Roman Polanski: Wanted and Desired así como la secuela en Showtime, Roman Polanski: Odd Man Out.

SAM LEVY (Cineasta) Después de estudiar cine con Leslie Thornton en Brown University, y el director de French New Wave Éric Rohmer en The University of Paris-Michelet, Levy comenzó su carrera profesional como aprendiz del cineasta Harris Savides. Primero obtuvo el reconocimiento como cineasta por derecho propio cuando fotografió Wendy and Lucy de Kelly Reichardt, recientemente votada como una de las “Mejores 25 películas del siglo XXI” por The New York Times. Levy siguió rodando tres películas para el director Noah Baumbach: Frances Ha, Mistress America y While We’re Young. Frances Ha le valió a Sam una nominación como Mejor cinematografía de London Film Critics Circle. También fue reconocido como “Cineasta favorito del año” por Filmmaker Magazine y votado uno de los "15 cineastas para ver" de Indiewire. Levy actualmente está trabajando en el Untitled Frank Ocean Project para el director Spike Jonze. Ha fotografiado diversos comerciales y videos musicales para directores como Mark Romanek, Stacy Wall, Randy Krallman, Brigitte Lacombe, Sophie Muller, Chris Wilcha, Todd Field, Alison Maclean, The Malloy Brothers, Adam and Dave y Matthew Swanson, entre otros.

NICK HOUY (Editor) recientemente cosechó su primer premio Emmy por editar “The Night Of” de HBO. Su trabajo cinematográfico incluyen el debut como directora de Lady Bird de Greta Gerwig, y la próxima Mid ’90s, escrita y dirigida por Jonah Hill.

CHRIS JONES (Diseñador de producción) es un diseñador de producción que reside en Los Ángeles. Es conocido por su trabajo en las películas 20th Century Women, Henry’s Crime y Chrystal así como muchos galardonados comerciales.

APRIL NAPIER (Diseñadora de vestuario) Los créditos cinematográficos recientes incluyen Certain Women de Kelly Reichardt, protagonizada por Kristen Stewart, Michelle Williams, y Laura Dern; Viral de Ariel Schulman y Henry Joost; Dark Places, protagonizada por Charlize Theron; y Bad Words, dirigida y protagonizada por Jason Bateman. Los créditos cinematográficos adicionales incluyen A Glimpse Inside the Mind of Charles Swan III de Roman Coppola ; Gentlemen Broncos de Jared Hess; Julia de Erick Zonca , protagonizada por Tilda Swinton; el debut de Mike Mills, Thumbsucker, que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance 2005, y protagonizada por Tilda Swinton, Vincent D’Onofrio, y Keanu Reeves; la película de Tarsem Singh The Cell; Your Friends & Neighbors de Neil LaBute; Black Water Transit de Tony Kaye; y The Hawk Is Dying de Julian Goldberger, protagonizada por Paul Giamatti, Michelle Williams, y Michael Pitt. Napier ha diseñado comerciales para muchos directores aclamados que incluyen a Robert Altman, Wong Kar-wai, Michael Mann, Jonathan Glazer, Francis Lawrence, Jake Scott, Bryan Singer y Mike Mills.

JON BRION (Compositor) le ha aportado su singular voz musical a las películas de Paul Thomas Anderson Hard Eight, Magnolia, y Punch-Drunk Love. También ha musicalizado Eternal Sunshine of the Spotless Mind de Michel Gondry, Synecdoche, New York de Charlie Kaufman y I Heart Huckabees de David O. Russell. Ha compuesto la música para las exitosas comedias The Break-Up y Step Brothers; la película gótica animada, ParaNorman; This is 40 de Judd Apatow; y el cortometraje de Pixar Blue Umbrella.
La música de Jon Brion apareció recientemente en la exitosa comedia de Judd Apatow Trainwreck, protagonizada por Amy Schumer, y Wilson de Fox Searchlight Pictures, protagonizada por Judy Greer, Laura Dern, y Woody Harrelson.

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