Malba anuncia su calendario de exposiciones 2018

Calendario de exposiciones 2018

MARZO
David Lamelas. Con vida propia
Curadoras: Curadoras: Kristina Newhouse (University Art Museum, California State University) y María José Herrera (Museo de Arte Tigre)
23.03– 11.06.2018
 Inauguración: jueves 22 de marzo, 19:00 
Sala 5, nivel 2 y Explanada
Exposición organizada con el University Art Museum (UAM) de la Universidad de Cali-fornia, Long Beach, como parte del proyecto “Pacific Standard Time: LA/LA” de la Getty Foundation.

Sara Facio. Perón
Curador: Ataúlfo Pérez Aznar
08.03–30.07.2018
 Inauguración: miércoles 7 de marzo, 19:00
Sala 3 – Silvia N. Braier, nivel 1

Irene Kopelman. Puntos cardinales
Curadora: Carina Cagnolo
08.03- 30.07.2018
Inauguración: miércoles 7 de marzo, 19:00
Sala 1, nivel -1
Exposición realizada con el apoyo del Mondriaan Fund.

JULIO
Lucio Fontana. Ambientes / Environments

Curadores: Marina Pugliese, Barbara Ferriani y Vicente Todolí 13.07– 15.10.2018
Inauguración: jueves 12 de julio, 19:00
Sala 5, nivel 2
Exposición organizada por el Hangar Bicocca, en colaboración con la Fundación Lucio Fontana

AGOSTO
Pablo Accinelli. Nubes de paso

Curadora: Florencia Chernajovsky
10.08–12.11.2018
Inauguración: Jueves 9 de agosto, 19:00
Sala 1, nivel -1

Gyula Kosice. La ciudad hidroespacial (1946-2016)
10.08–22.10.2018
Inauguración: Jueves 9 de agosto, 19:00
Sala 3 – Silvia N. Braier, nivel 1
Instalación perteneciente a The Museum of Fine Arts, Houston

NOVIEMBRE
Imágenes transformadoras / Transforming images
Obras de Gilbert & George, Cindy Sherman, Matthew Barney, Richard Prince, Fischli & Weiss, Ann Lislegaard y Torbjørn Rødland del Museo Astrup Fearnley de Oslo
Curador: Gunnar Kvaran, director Museo Astrup Fearnley 09.11.2018–17.02.2019
Inauguración: jueves 8 de noviembre, 19:00 Sala 5, nivel 2

Iván Argote
23.11.2017–24.02.2018
Inauguración: jueves 22 de noviembre, 19:00 Sala 1, nivel -1

 

David Lamelas
Con vida propia
Curadoras: Curadoras: Kristina Newhouse (University Art Museum, California State University) y María José Herrera (Museo de Arte Tigre)
23.03– 11.06.2018
Inauguración: jueves 22 de marzo, 19:00
Sala 5, nivel 2 y Explanada

Malba presenta David Lamelas. Con vida propia, exposición retrospectiva del artista argentino David Lamelas (Buenos Aires, 1946), uno de los pioneros del arte concep-tual y protagonista del movimiento de vanguardia que se generó en Buenos Aires en los años 60 en torno al Instituto Di Tella. En 1968 ganó reconocimiento internacional en la XXXIV Bienal de Venecia por su trabajo Oficina de Información sobre la Guerra de Vietnam en tres niveles: imagen, texto y audio.
La exposición está organizada junto al University Art Museum (UAM) de la Universi-dad de California, Long Beach, Estados Unidos (CSULB) –donde se presentó entre septiembre y diciembre de 2017–, y es parte del proyecto “Pacific Standard Time:
LA/LA”, un conjunto de más de ochenta exhibiciones realizadas en diversas institucio-nes culturales de California, dedicadas a la exploración e investigación del arte lati-noamericano en diálogo con la ciudad de Los Ángeles.
David Lamelas. Con vida propia reúne cerca de cuarenta obras, entre esculturas, ins-talaciones, obras conceptuales y situacionistas, fotografías, videos y filmes, produci-das desde 1965 hasta la fecha. Entre otras piezas se incluyen:
–Instalaciones realizadas por Lamelas a mediados de la década de 1960, como El Súper Elástico (1965), Conexión de tres espacios (Connection of Three Spaces, 1966), y Situación de tiempo (Situation of Time, 1967).
–Obras situacionistas y conceptuales realizadas por Lamelas en Europa a finales de los años 60 y principios de los 70, entre otras: Antwerp–Brussels (People + Time) (1969) e Interview with Marguerite Duras (1970).
–Narrativas experimentales y foto-secuencias, incluyendo la icónica Rock Star (Cha-racter Appropriation) (1974) y The Violent Tapes of 1975 (1975)
.
–Films y videoarte, incluyendo la proyección de las obras desarrolladas por Lamelas durante su extensa colaboración con la artista Hildegarde Duane.

También se incluyen dos proyectos de instalaciones arquitectónicas pensados y dibu-jados por Lamelas en 1966 pero nunca antes realizados.
Junto con la exposición, Malba y el UAM coeditaron junto a The Getty un catálogo completamente ilustrado, con ensayos de Alexander Alberro, Valeria González, María José Herrera, Inés Katzenstein, Kristina Newhouse, Daniel Quiles, Catha Paquette, Joy Sleeman y Ian White. También se incluye una entrevista recientemente redescu-bierta, “Adolfo Bioy Casares, Germán Gullón, David Lamelas, y Bartomeu Mari en Conversación, Instituto Cervantes, Rotterdam, Países Bajos, 14 de mayo de 1997”.
Esta es la segunda exhibición de David Lamelas en Malba. Entre septiembre y no-viembre de 2006 se presentó Lo super-real. Obras 1969-1984, curada por Inés Katzenstein, con foco en sus obras producidas entre 1969 y 1984, fundamentalmente en Londres y Los Ángeles.

David Lamelas (Buenos Aires, 1946)
Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes. En 1965 colabora junto con Pablo Suárez, Leopoldo Maler, Rodolfo Prayón y Floreal Amor en La menesunda, happe-ning-recorrido de Marta Minujín y Rubén Santantonín. Ese mismo año participa del Premio Braque, del Premio de Honor Ver y Estimar y de una exposición curada por Jorge Romero Brest en la galería Guernica. En 1966 recibe una mención en el Premio Nacional del Instituto Torcuato Di Tella y vuelve a participar del Premio de Honor Ver y Estimar. En 1967 interviene en Más allá de la geometría, Experiencias visuales 67 y Estructuras primarias II. El mismo año es distinguido en la IX Bienal Internacional de San Pablo junto a Jasper Johns (Estados Unidos), Carlos Cruz-Diez (Venezuela) y Michelangelo Pistoletto (Italia). En 1968 obtiene una beca del British Council y viaja a Londres, donde estudia en la St. Martin’s School of Arts y comienza a realizar corto-metrajes y cine. Participa también en Materiales, nuevas técnicas, nuevas expresio-nes y en las Experiencias 68 del Instituto Torcuato Di Tella. Representa además al país en la XXXIV Bienal de Venecia y participa en Beyond Geometry, en el Center for Inter-American Relations de Nueva York. En 1972 expone en la Documenta 5, en Kassel. Desde 1976 alterna su residencia entre Los Ángeles, Nueva York, Bruselas, Berlín, París y Buenos Aires.

Sara Facio
Perón
Curador: Ataúlfo Pérez Aznar
08.03–30.07.2018
Inauguración: miércoles 7 de marzo, 19:00
Sala 3 – Silvia N. Braier, nivel 1

Malba abre el calendario 2018 con Sara Facio. Perón, exposición de la artista Sara Facio (San Isidro,1932) que presenta por primera vez su trabajo fotográfico sobre Juan Domingo Perón, entre los años 1972 y 1974. Se trata de un ensayo histórico-documental sobre los acontecimientos sucedidos en la política argentina en torno al peronismo, captados por la singular mirada de Sara Facio, una referente de la foto-grafía argentina del siglo XX.

Curada por Ataúlfo Peréz Aznar, la exhibición incluye un conjunto de aproximadamen-te 90 fotografías –en su mayoría inéditas–, seleccionadas especialmente para la oca-sión, en colaboración de la artista. El cuerpo de obras abarca los 591 días que van desde el 17 de noviembre de 1972, fecha que marca el regreso de Perón a la Argen-tina tras su exilio en Madrid, hasta el 1 de julio de 1974, día de su muerte.

En palabras del curador: “Cuando empecé a preparar la antología de fotografía que edité en 2012, un libro publicado por Ediciones Larrivière, indagué en los archivos de Sara tratando de ver todo lo que produjo a lo largo de su vida. Allí me propuse revalo-rizar su trabajo menos difundido y, a mi entender, más representativo: las fotos de Buenos Aires, Buenos Aires y las del peronismo, en las que advertí una veta profun-damente interesante. Más allá de los vericuetos de la historia argentina – persecuciones, censuras, resentimientos y marginaciones–, estas imágenes son do-cumentos realmente extraordinarios”, explica. “Es un material clave de la historia de la fotografía pero, sobre todo, es parte de la memoria colectiva de nuestro país”, agrega Pérez Aznar.

La exhibición cierra el programa de artistas mujeres de la sala 3 "Silvia N. Braier", de-dicado a poner en valor la producción de artistas latinoamericanas y presentar nuevas miradas de sus producciones. Desde 2015 se realizaron muestras monográficas de Annemarie Heinrich, Teresa Burga, Claudia Andujar, Alicia Penalba y Mirtha Dermisa-che.

Sara Facio (San Isidro, 1932)
Es fotógrafa, curadora, periodista y editora, destacada por sus retratos de personajes de la cultura latinoamericana y por su labor comunitaria en promoción de la fotografía. Graduada en la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1953, en 1955 recibió una beca del Gobierno de Francia y residió en París durante un año, estudiando artes visuales y más tarde, fotografía.
Entre 1960 y 1985 fue socia de Alicia D´Amico y trabajó en publicidad, reportajes gráficos y escritos para la mayoría de los diarios y revistas de Buenos Aires, Europa y EE.UU. Creó secciones de fotografía en los diarios Clarín, La Nación, y en las más importantes revistas especializadas. En 1973 funda junto a Cristina Orive La Azotea Editorial Fotográfica, única en su tiempo en América latina, dedicada exclusivamente a la especialidad.
En 1979 fue miembro fundadora del Consejo Argentino de Fotografía, para la difusión y estudio de la fotografía nacional y el intercambio con lo más sobresaliente de la producción internacional.
Entre 1985 y 1998 creó y dirigió la Fotogalería del Teatro San Martín de Buenos Aires, donde presentó 160 exposiciones de maestros del mundo y principiantes que hoy son referentes, con sus correspondientes catálogos. Culminó con la creación de la Colección Fotográfica del Museo Nacional de Bellas Artes, Patrimonio Nacional, que dirigió y curó exposiciones entre 1995 y 2010.
Expuso en forma individual en museos y galerías de toda América, Europa y Asia. Desde 1968 ha publicado más de veinte libros personales; textos y publicaciones antológicas en 2012 y 2016. Ha recibido premios y distinciones como fotógrafa y como editora en la Argentina y el extranjero. Entre otros, Fondo Nacional de las Artes, Premio Konex de Platino, de la Universidad Nacional de Lanús, Universidad Nacional de Rosario, de la Revista Ñ; Premios a la edición de libros en Argentina, Francia, Austria y México.
En 2011 fue nombrada Ciudadana Ilustre de Buenos Aires.
En 2014 y 2015 expuso Donación Sara Facio en el Museo Nacional de Bellas Artes, 200 obras de fotógrafos de América Latina que donó a esa institución argentina. Sus fotografías figuran en las colecciones permanentes, entre otros, del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, del Museo de Arte Moderno de New York (MoMA), del Museo Reina Sofía de Madrid y en prestigiosas colecciones particulares.

Irene Kopelman
Puntos cardinales
Curadora: Carina Cagnolo
08.03- 30.07.2018
Inauguración: miércoles 7 de marzo, 19:00
Sala 1, nivel -1
Exposición realizada con el apoyo del Mondriaan Fund.

Puntos cardinales es la primera exposición individual en nuestro país de la artista ar-gentina Irene Kopelman (Córdoba, 1974). Se trata de un proyecto colaborativo y en proceso, que surge de diferentes expediciones con científicos, biólogos y geólogos a diversas zonas de la Argentina: Puerto Madryn, Chubut; Ischigualasto y Jáchal en San Juan; y Pampa de Achala en las Sierras de Córdoba. De cada uno de estos via-jes, la artista obtiene un conjunto de producciones que van desde dibujos realizados in situ y notas de trabajo de campo, a pinturas de gran tamaño, esculturas y una ins-talación site specific para la sala 1 del museo.

Las expediciones se llevan a cabo mediante procesos diversos de investigación cien-tífica, pero con una misma inquietud artística: localizar y estudiar aquello que pueda ser representado a través del dibujo. En primera instancia, realiza una apropiación rápida de datos característicos de las especies o topografías estudiadas, para luego desarrollar un proceso de trabajo en taller sobre cada uno de estos territorios, en base a las notas tomadas en la investigación de campo.

En todo el conjunto de operaciones, permanece el acto de rescatar de un determinado entorno natural, especies, datos concretos, con los cuales construir su universo poético. En palabras de la curadora Carina Cagnolo: “Irene Kopelman emprende en cada trabajo una investigación autoanalítica de los métodos científicos para acceder al conocimiento del mundo natural que se le presenta, para luego traspolar esos métodos al ámbito del arte. Así, los sistemas de clasificación de objetos naturales, los modos de representación de lo real utilizado por las ciencias, son transferidos al espacio poético de su trabajo. Kopelman utiliza sistemas axiomáticos, rigurosos, para desarrollar las piezas, que se proponen finalmente como objetos estéticos.”

En Puerto Madryn, Chubut, Kopelman se relacionó con el estudio de especies mari-nas invasoras denominadas Amphibalanus amphitrite (Diente de perro rayado) y Stye-la clava (Papa de mar pedunculada). En la provincia de San Juan, zona de Ischigua-lasto, mesetas y monte de llanuras, estudió junto a especialistas distintos períodos de las formaciones geológicas. Con el mismo grupo de geólogos descubrió una forma-ción denominada Jáchal, que llevará al formato de escultura. Lo que se encuentra en el estrato geológico de Jáchal son estructuras de deformación por carga que otorga formas mamelonares a la base de la capa. También se encuentra un plegamiento de la capa por deformación tipo slumps o pliegues sinsedimentarios. En Pampa de Acha-la, Sierras de Córdoba, estudió con un grupo de especialistas ecólogos, ciertas espe-cies invasivas terrestres.

Los viajes concluyen en diferentes series de trabajos que se despliegan en el espacio del museo según ciertas características presentes en cada región y en cada investi-gación. Así, para el diseño final de la exposición se tienen en cuenta los métodos e instrumentos científicos utilizados durante la expedición y el trabajo en campo, el cromatismo del paisaje y el tipo de especie estudiada y representada.

Irene Kopelman (Córdoba,1974. Vive en Holanda)
Es una artista que cuenta con un Doctorado en Bellas Artes de la Academia Finlande-sa de Bellas Artes, Helsinki/MahHKU, Utrecht Escuela de Artes Visuales y Diseño. Originaria de Argentina, Kopelman se mudó a Holanda en el 2002 para participar en una residencia de artistas en Rijksakademie van Beeldende Kunsten, Ámsterdam. Sus exhibiciones y proyectos más recientes incluyen: On Glaciers and Avalanches (Sobre glaciares y avalanchas), CRAC Alsacia, Francia, 201; Indexing water (uniendo agua), Kunsthalle Lisboa, Portugal, 2017; Campamento de Dibujo, en el Parque Na-cional Quebrada del Condorito, Córdoba, Argentina, 2017; Underwater Workstation (Puesto de trabajo bajo el agua), Diablo Rosso, Panamá, 2016; On Glaciers and Ava-lanches (Sobre glaciares y avalanchas), Galería Labor, 2015, Frisos, FLORA art + natura, Colombia, 2015; SITE Santa Fe Bienal Internacional, 2014; Vertical Lanscape (Paisaje vertical), 8va Bienal de Berlín, 2014; LARA (Roaming Art Latinoamérica), MAC, Perú, 2014; Chiral Garden (Jardín Chiral), La Verriere Fondation D’Entrerprise Hermes, Bruselas, Bélgica; Entanglement (Enredados), Kunst Halle Sankt Gallen, Sankt Gallen, 2013; The Exact Opposite of Distance (El opuesto exacto a la Distan-cia), Galería Motiv, Bruselas 2013; The Challenger’s Report (El reporte del desafian-te), Gasworks, Londres, 2012; The Molyneux Problem (El problema Molyneux), BAK, Utrecht, 2011; Essays on Geopoetics (Ensayos sobre geopoesía), 8va Bienal del Mercosur, Porto Alegre, 2011; 50 Metres Distance or More (50 metros de distancia o más), Galería Labor, Ciudad de México, 2011; El Vuelo de Levy, Galería Motivo, Áms - terdam, 2010, y en Montehermoso Centro de Arte, Vitoria-Gasteiz, 2009; The Malady of Writing (la enfermedad de escribir), MACBA, Barcelona, 2009; Planet of Signs, Le Plateau, Paris, 2009; y Levity (levedad), The Drawing Center, Nueva York, 2007.
Su práctica incluye la colaboración con distintos institutos de investigación tales como el Real Instituto Holandés de Investigación Marina (NIOZ, The Royal Netherlands Ins-titute of Sea Research), Holanda , (2016/2017); el Instituto Smithsonian de Investiga-ciones Tropicales (Smithsonian Tropical Research Institute, STRI), Panamá, (2012/2016 ); Manu Learning Centre, Perú (2012), El centro de Biodiversidad Natura-lis (Naturalis Biodiversity Center, Leiden (The Kinabalu / Crocker Range Expedition 2012 y ‘Chiral Garden’, La Verriere Fondation D’Entrerprise Hermes, Bruselas, Bélgi-ca, 2013); Museo Boerhaave 2012 ; Servicio Mundial de Monitoreo de Glacia-res(World Glacier Monitoring Service, Universidad de Zurich (2013/2014); WSL Institu-to Federal para el Estudio de la nieve y las Avalanchas(Institute for Snow and Avalan-che Research, SLF, Davos (2013/2014).
Además, Kopelman ha publicado un gran número de libros incluyendo Three Interven-tions in a Space (Tres intervenciones en el espacio) (2003) and Notes on Representa - tion (Notas sobre representación), volúmenes I (2006), II, III y IV (2011), V (2013), VI (2014),VII (2015) y VIII (2017).

Lucio Fontana
Ambientes / Environments
Curadores: Marina Pugliese, Barbara Ferriani y Vicente Todolí 13.07– 15.10.2018
Inauguración: jueves 12 de julio, 19:00
Sala 5 (nivel 2)

En julio, Malba presenta la exhibición Ambientes / Environments, que se centra en las obras pioneras del artista argentino-italiano Lucio Fontana en el campo de la instala-ción. Incluye una selección de sus ambientes e intervenciones espaciales, realizados entre 1949 y 1968, que ponen de manifiesto el genio innovador y visionario de este maestro del siglo XX. La muestra fue organizada por el Hangar Bicocca, en colabora - ción con la Fundación Lucio Fontana, y se presenta actualmente en el centro de arte de Milán hasta febrero de 2018.

Los “Ambientes espaciales”, habitaciones y pasillos que el artista comenzó a concebir y diseñar a fines de la década de 1940, casi siempre eran destruidos una vez que fi-nalizaba la exposición. Son las obras más experimentales de Fontana, y sin embargo, las menos conocidas debido a su naturaleza efímera.
Algunos de los ambientes presentados han sido reconstruidos por primera vez desde la muerte del artista, a partir de la investigación de la historiadora Marina Pugliese y la conservadora Barbara Ferriani, co-curadoras de la muestra junto con Vicente Todolí, Director Artístico del HangarBicocca, con la colaboración de la Fundación Lucio Fon-tana.
Los visitantes tendrán la oportunidad de experimentar y disfrutar esta parte poco co-nocida del trabajo de Fontana, en una presentación sin precedentes que revela su importancia histórica, al tiempo que pone en evidencia su naturaleza contemporánea y su poder innovador.

Lucio Fontana (Rosario, Argentina, 1899 – Varese, Italia, 1968)
Fue uno de los artistas más influyentes de mediados del siglo XX. Fontana dedicó su carrera a investigar los conceptos de espacio, luz, vacío y cosmos. Su obra transfor-mó radicalmente las ideas sobre la pintura y la escultura, trascendiendo las dos di-mensiones de la tela y adelantando muchos de los movimientos de las décadas de 1960 y 1970, como el arte povera, el conceptualismo, el land art y el arte ambiental. En sus planteamientos del Manifiesto Blanco, firmado por sus alumnos en Argentina en 1946, Fontana apelaba al cambio, a la superación de la pintura y de la escultura como se las conocía hasta entonces en “un arte mayor acorde con las exigencias del espíritu nuevo”. Entre diciembre de 1947 y enero de 1948, firmó junto a Giorgio Kais-serlian, Beniamino Joppolo, Milena Milani el primer Manifiesto del Espacialismo y al año siguiente revolucionó el arte a partir de su instalación Ambiente spaziale a luce nera. Poco después llegó su su primer Bucci (agujero en la tela) y sus famosos Tagli (tajos en la tela).

Pablo Accinelli
Nubes de paso
Curadora: Florencia Chernajovsky
10.08–12.11.2018
Inauguración: Jueves 9 de agosto, 19:00
Sala 1, nivel -1

Exposición monográfica del artista argentino Pablo Accinelli (Bs As, 1983), que reúne distintos objetos configurando al espacio como una gran puesta en escena. Si bien cada obra será independiente, juntas formarán un grupo de datos, indicios, superficies y densidades, sensibilizando la relación entre el cuerpo y la mente del que transite este espacio. Así, por ejemplo, la polaridad del blanco y negro, la aparición de tipogra-fías crípticas y de herramientas de medición, el despliegue de obras relacionadas al universo cotidiano (camas hechas con bolsas de cemento, bases que funcionan como mesas o recipientes) harán referencia, por un lado, al policial negro y su ambiente de búsqueda constante y, por otro, a la poesía concreta y sus vínculos con el neoconcre-tismo y los trabajos posteriores de artistas brasileros como Hélio Oiticica y Lygia Clark.

Por último, dos elementos servirán de lazo real para unir el espacio al menos mental-mente: dos mazos de cartas albergados en unos habitáculos hechos a medida y unas cadenas de clips de oficina que caerán del techo como guirnaldas verticales. Estos elementos que representan la mezcla, el orden y el azar, también aparecerán en un afiche diseñado especialmente para la exposición.

Si bien perdura aquí una estética heredera del arte conceptual y minimalista, Accinelli alude al juego para corromperlo, irrumpiendo cierto orden establecido con elementos dislocados, ya sean domésticos o urbanos. Más que una latencia de uso, este espa-cio delinea un campo sensible de verdadera empatía por el objeto.

Pablo Accinelli (Buenos Aires, 1983)
Vive y trabaja en São Paulo. Se formó con los artistas Alejandro Puente y Diana Ai-senberg. Desde 2006 forma junto a Leandro Tartaglia Actividad de uso, grupo dedica-do a escribir libros sobre artistas jóvenes argentinos. En 2016, expuso en la mues-tra Por aquí todo é novo en el Instituto Inhotim, Minas Gerais. En 2015, participó en la Bienal de Vienna curada por Maria Lind y en el Nouveau Festival del Centro Pompi-dou curado por Florencia Cherñajovsky. En 2014 ganó el Programa de Becas y Comi-siones de la Cisneros -Fontanals Art Foundation (CIFO). En 2012 participó en la Bienal de São Paulo curada por Luis Pérez Oramas y obtuvo el premio Lucio Fontana. En el 2012 también participó de la muestra When Attitudes Became Form Become Attitu - des, curada por Jens Hoffman. En 2008, 2011 y más recientemente en 2016, tuvo exposiciones individuales en la galería Luisa Strina, São Paulo. Fue ayudante de la clínica anual para artistas dirigida por Jorge Macchi en la Universidad Torcuato Di Te-lla, ediciones 2009 y 2011.

Gyulia Kosice
La ciudad hidroespacial (1946-2016)
10.08–22.10.2018
Inauguración: Jueves 9 de agosto, 19:00
Sala 3 – Silvia N. Braier, nivel 1

“El hombre no ha de terminar en la Tierra”, escribió Gyula Kosice en la mítica revista Ar-turo en 1944. Con esa afirmación, anticipaba uno de sus principales proyectos: La ciudad hidroespacial. El proyecto surgió como resultado de la preocupación del artista por la numerosa y creciente población de la Tierra y de la necesidad de romper con los espa-cios arquitectónicos tradicionales que, según su definición, ataban al ser humano.

Kosice ideó entonces una serie de hábitats suspendidos a 1000–1500 metros sobre el nivel del mar, compuestos no ya por habitaciones “ritualizadas” (living, dormitorio, baño) sino por espacios para vivir móviles y poéticos. Llamó al conjunto de estas viviendas La ciudad hidroespacial, pensada como un proyecto urbano que conjugaba diferentes di-mensiones: ciencia –incluyendo la justificación teórica de la energía suficiente que se necesitaba para mantener volando una ciudad–, poética, estética, arquitectura y filosofía.

“De acuerdo a sus impulsos y reacciones vitales, la humanidad se ha movido en despareja proporción respecto a su propio hábitat. La arquitectura engloba necesidades elementales muy disímiles y no es aconsejable permanecer oprimidos por la magnitud de su carga inerte. Hasta ahora sólo utilizamos una mínima proporción de nuestras facultades mentales, adaptadas a módulos que de alguna manera derivan de la arquitectura llamada moderna o ‘funcional’”, afirmó Kosice en 1971.

La ciudad hidroespacial es su proyecto más ambicioso. Iniciado en 1946, a comienzos de la década de 1970 había evolucionado en un conjunto de múltiples escultu-ras/maquetas, que ahora totalizan 19 espacios habitables en tres dimensiones y 7 ca-jas lumínicas en dos dimensiones presentados juntos en una misma sala en una insta-lación inmersiva. La obra constituye una summa teórica monumental del uso innovador de los materiales, especialmente las luces y los acrílicos, por parte de Kosice.

Perteneciente a la colección de The Museum of Fine Arts, Houston (MFAH) -única insti-tución que alberga la instalación completa de La ciudad hidroespacial- a partir de julio podrá verse en la Sala 3 de Malba, gracias a un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones firmado hace varios años.

Gyula Kosice (Košice, 1924 - Buenos Aires, 2016)
Nació el 26 de abril de 1924 en el seno de una familia húngara en Košice, Checoslo-vaquia (actualmente Eslovaquia), ciudad de la que más tarde tomaría su nombre ar-tístico. Cuatro años después emigró con sus padres a Argentina. Escultor, pintor, teó-rico y poeta, fue uno de los iniciadores del arte no figurativo en América Latina y uno de los precursores del arte de vanguardia cinético, lumínico, e hidrocinético, y de la conjunción del arte, la ciencia y la tecnología.
En 1944 integró el grupo editor de la revista Arturo, donde publicó diversos escritos teóricos y poemas. En 1946 fue uno de los fundadores del Movimiento Madí y director de la revista Arte Madí Universal. En 1948 fue invitado a exponer obras del grupo en el Salon Realités Nouvelles de París. Atraído por el uso de nuevos materiales comenzó a experimentar con plexiglás, vidrio y tubos de gas de neón. Más adelante, a su interés por el movimiento, sumó el empleo del agua, al realizar esculturas Hidrocinéticas, expuestas en la Galerie Denise René de París (1958). Diez años más tarde el Instituto Torcuato Di Tella de Buenos Aires presentó 100 obras de Kosice, un precursor.
A lo largo de su carrera, realizó 50 exposiciones individuales y más de 500 muestras colectivas; además de esculturas monumentales urbanas, recorridos hidroespaciales e hidromurales en numerosas ciudades del mundo.
Entre sus exposiciones individuales merecen citarse Spatial constructions and first hydraulic sculpture en la Drian Gallery de Londres (1953), La cite hydrospatial en el Espace Cardin de París (1975), La ciudad hidroespacial en el Planetario de Buenos Aires (1979), Kosice en el Hakone Open Air Museum de Tokio (1982), Obras Monumentales de Kosice en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires (1985) y la muestra retrospectiva Kosice. Obras 1944-1990 en el Museo Nacional de Bellas Artes durante 1991. En 1999 en el Centro Cultural Recoleta se organiza Gyula Kosice. Anticipaciones.
Interviene en numerosas exposiciones colectivas entre las que cabe mencionar Vanguardia de la década de los 40. Arte Concreto-Invención. Arte Madí. Perceptismo en el Museo Eduardo Sívori (1980) y Arte Madi en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (1997). Integra la exposición Art from Argentina 1920/1994 inaugurada en el Museum of Modern Art de Oxford en 1994 muestra itinerante, que luego de recorrer varios países europeos, en 1995 finaliza en el Centro Cultural Borges de Buenos Aires. Su obra es incluida en Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo 1933/53 realizada durante 2001 en The Americas Society de Nueva York.
Participa en la XXVIII Bienal Internacional de Venecia (1956), en la IV Bienal Internacional de San Pablo (1957), en la VI Bienal Internacional de San Pablo (1961), III Bienal Coltejer, Medellín (1972) y en la II Bienal de La Habana (1986).
Ganó el Premio Di Tella en 1962 y el Konex de Platino en 1982. Ha sido distinguido con el grado de Caballero de las Artes y las Letras por el gobierno de Francia en 1989. Recibió el premio a la Trayectoria en Artes Plásticas, otorgado por el Fondo Nacional de las Artes, en 1994. En 2013 el Centro Cultural Pompidou creó la sala Kosice y el arte concreto, con obras de la década del 40.

Imágenes transformadoras / Transforming images
Obras de Matthew Barney, Gilbert & George, Richard Prince, Cindy Sherman, Fischli & Weiss, Ann Lislegaard y Torbjørn Rødland del Museo Astrup Fearnley de Oslo.
Curador: Gunnar Kvaran, Director Museo Astrup Fearnley 09.11.2018–17.02.2019
Inauguración: jueves 8 de noviembre, 19:00 Sala 5, nivel 2

En noviembre Malba presenta una exhibición de fotografía contemporánea con una selección de 80 obras de grandes referentes del medio como Matthew Barney, Gilbert & George, Richard Prince, Cindy Sherman y Fischli & Weiss, además de los noruegos Ann Lislegaard y Torbjørn Rødland, pertenecientes a la colección del Museo Astrup Fearnley de Oslo, reconocida entre las más importantes de arte contemporáneo inter-nacional.

Curada por Gunnar Kvaran, Director del museo noruego, la muestra se propone ahondar en los diferentes mecanismos de producción de estos artistas que, desde los años 80 hasta nuestros días, han desarrollado una relación con la idea de transformar el medio y su práctica artística a través de la fotografía. “De una manera muy distinta, cada uno ha logrado crear su propio lenguaje y estética personal, además de una na-rrativa para abordar temas vinculados con las nociones de ficción, identidad, apropia-ción, perversión, tiempo y espacio, historia, género y feminismo”, explica.

Estas transformaciones ocurren tanto en la performance, relacionada con cuestiones de género en los casos de Cindy Sherman –la muestra incluirá aproximadamente veinte de sus fotos más icónicas de todos los períodos– o Gilbert & George – representados con tres obras de gran formato– como en la dramaturgia, en los films y fotografías del famoso ciclo Cremaster de Mathew Barney, donde lo escultórico toma forma en los personajes y en los marcos de las piezas. Del mismo modo, la escultura y sus desequilibrios es retratada por Fichli & Weiss en imágenes sencillas y simples, compuestas por objetos cotidianos.

La adopción y copia de la imaginería de la publicidad y del cine, además de los có-mics e incluso de nuevos medios como Instagram, es una constante en el trabajo de Richard Prince desde los años 80. La muestra incluye lienzos y fotos que dan cuenta de ese proceso de traducción e interacciones. Desde un punto de vista más contem-poráneo, la extrañeza en las imágenes de Torbjørn Rødland presenta una realidad alterada, vista a través de la mirada incisiva de un fotógrafo que incluye lo abyecto y lo misterioso en su iconografía. Por último, la artista Ann Lislegard utiliza un espacio de transferencia como el que brinda la arquitectura, un espacio en continua transfor-mación, que muta, se cristaliza y se rompe en la videoinstalación, donde la imagen es transformada con nuevas técnicas como el 3D.

En este sentido, más allá de ser una muestra colectiva, la curaduría propone micro-exposiciones individuales que ayuden a entender la práctica de cada artista en profundidad.

Iván Argote
22.11.2017–24.02.2018
Inauguración: jueves 22 de noviembre, 19:00 Sala 1, nivel -1

Iván Argote (Bogotá, 1983. Vive en París)
Su obra explora la relación entre la historia, la política y la construcción de la subjetividad contemporánea. Sus films, esculturas, collages e instalaciones en espacios públicos intentan generar interrogantes acerca de cómo nos relacionamos con el otro, con el Estado, con el patrimonio y con las tradiciones. Su obras son críticas, a veces contestatarias, y trabajan sobre la idea de llevar las emociones a la política y viceversa, utilizando un tono seco y tierno.
Sus obras se han exhibido en numerosas exhibiciones individuales como las que se nombran en la siguiente selección: Somos, Galeria Vermelho, Sao Paulo, 2017 ; La Venganza del Amor, Perrotin, Nueva York, 2017 ;Sírvete de mi, sírveme de ti, Proyecto Amil, Lima, 2016 ; Strengthlessness, Standard High Line, New York, US, 2016 ; An idea of progress, SPACE, London, 2016 ; Cómo lavar la losa coherentemente, NC Arte, Bogotá, 2016; La puesta en marcha de un sistema, Galeria ADN, Barcelona, 2015 ; Reddish Blue, DT Project, Brussels, 2015 ; Let’s write a history of hopes, Galeria Vermelho, Sao Paul, 2014 ; Strengthlessness, Galerie Perrotin, Paris, 2014 ; La Estrategia, Palais de Tokyo, Paris, 2013 ; Sin heroísmos, por favor, CA2M, Madrid, 2012, entre otras.

También ha participado de numerosas exhibiciones grupales como las que se enu-meran en la siguiente selección: 2017 - Bienal Sur, Buenos Aires & Bogota; Continua Sphères ENSEMBLE, Le Centquatre-Paris, Paris; Du Verbe à La Communication, Carré d’Art, Nîmes; A Decolonial Atlas, Vincent Price Art Museum, Monterey Park (CA); Monumentos, anti-monumentos y nueva escultura pública, Museo de Arte de Zapopan, Zapopan; Future Generation Art Prize, PinchukArtCentre, Kiev & Palazzo Contarini Polignac, Venice Biennale, Venice; 2016 - Bread and Roses, Museum of Modern Art in Warsaw; Festival Hors Pistes, Centre Pompidou, Paris & Malaga; Ideo-logue, Utah Museum of Contemporary Art, Salt Lake City ; Dear Betty: Run Fast, Bite Hard ! ; 2015 - Intersections, Cisneros Fountanals Foundation, Miami ; 5th Thessalo-niki Biennale, Thessaloniki; Levitate, Museums Quartier, Vienna; L’éloge de l’heure, MUDAC, Lausanne ; 2014 - Nuit Blanche, Pavillon Vendôme, Paris; Buildering: Mis - behaving the City, Blaffer Art Museum, Houston & CAC Contemporary Arts Center, Cincinnati; Colonia Apocrifa, MUSAC, Léon; The Part In The Story..., Witte de With, Rotterdam ; Utopian Days - Freedom, Total Museum of Contemporary Art, Seoul ; All about these..., National Gallery of Arts, Tirana ; Festival Hors Pistes, Centre Pompi-dou, Paris ; 2013 - Tectonic, Moving Museum, Dubai; Los irrespetuosos, Museo Car-rilo Gil, México DF ; 2012 - 30th Sao Paulo Biennial, Sao Paulo; Girarse, Joan Miró Fundation, Barcelona, entre otras.

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