Obras de la Colección MAXXI @ Fundación PROA

Arte en Escena
Obras de la Colección MAXXI
Museo de Arte del Siglo XXI
Curador: Anna Mattirolo

Desde el Sábado 19 de marzo

Fundación PROA
Av. Pedro de Mendoza 1929

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Artistas: Ilya & Emilia Kabakov, Maurizio Cattelan, Gino De Dominicis, Gibert & George, Grazia Toderi, Armin Linke, Matthew Barney, Michelangelo Pistoletto, Francesco Vezzoli, Yan Pei‐Ming, Mario Airo, Massimiliano y Gianluca De Serio, Luigi Ontani, Aldo Rossi, Francesco Vezzoli, Carlo Aymonino, Danilo Guerri, William Kentridge.

Organizan: Embajada de Italia en Argentina, Instituto Italiano de Cultura
Auspicia: Tenaris - Organización Techint

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El MAXXI – Museo Nacional de Arte del Siglo XXI, es el primer espacio museístico construido en este nuevo milenio. Diseñado por la arquitecta Zaha Hadid, el MAXXI fue concebido como un laboratorio de oportunidades para la producción y creación artística actual, un espacio de diálogo entre el arte y la arquitectura en una ciudad en la que ambas disciplinas dialogan desde los albores de su historia.

El eje fundamental del proyecto es el de generar desafíos: funcionar en un contexto arquitectónico innovador, un unicum que supere todo texto museológico y museográfico precedente, como así también el de investigar nuevas perspectivas y estrategias válidas para brindar una plataforma cultural que responda a las exigencias que impone el nuevo siglo.

Este es uno de los tantos motivos por los cuales Proa, en colaboración con el equipo del MAXXI, organiza la exhibición Arte en Escena, con la curaduría de Anna Mattirolo. Arte en Escena articula la colección configurándola como un espacio escénico, cercano a lo teatral. En palabras de la curadora: “… hemos querido poner énfasis en ese rasgo teatral que quizás los argentinos puedan reconocer, ya que hay una gran tradición de teatros italianos en muchas ciudades del país. Contamos una historia con imágenes, representaciones de una sensibilidad abarcadora de un imaginario político, social, y existencial en el que los artistas se detienen para generar y cruzar sugerentes propuestas…”

Arte en Escena reúne los diversos puntos de vista y prácticas artísticas contemporáneas que dan cuenta del espacio de exhibición como escenario; del artista como performer; de la cultura del espectáculo; y las citas al mundo onírico de las leyendas y fabulas literarias.

El Teatro del Mondo, de Aldo Rossi, nos da la bienvenida a un espacio flotante que navega y donde somos actores y espectadores a la vez, “un lugar donde comienza el mundo de la imaginación.”

La muestra reúne las fotografías, bocetos y registros arquitectónicos de Aldo Rossi; los videos de Francesco Vezzoli y William Kentridge y las obras monumentales de Gilbert and George, entre otras destacadas obras que presentan el arte como espectáculo y como escenario de propuestas trascendentes.
La obra de Ilya & Emilia Kabakov, con su escala distorsionada, es una de las piezas fundamentales para comprender el concepto de espacio desde diversos y activos puntos de vista.

El actor, el sujeto público, el registro del performer en Luigi Ontani, son algunos de los puntos que también Arte en Escena nos propone.
La selección de obras cruzan lo personal y lo histórico, lo espectacular y lo social, lo político y lo individual a través de las diversas prácticas artísticas.
Concebida con la curaduría de Anna Mattirolo, la muestra cuenta con el patrocinio de la Embajada de Italia en Argentina, el Instituto Italiano de Cultura y el apoyo permanente Organización Techint, a través de sus empresas Ternium, Tecpetrol y Tenaris.

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MAXXI
El MAXXI es el primer museo nacional italiano dedicado a la creatividad contemporánea. Es una gran obra arquitectónica, de formas innovadoras y espectaculares, proyectada por Zaha Hadid y que pretende, según sus palabras, “un nuevo tipo de flujo de la espacialidad desde múltiples puntos de perspectiva y geometría fragmentada, diseñada para encarnar la fluidez caótica de la vida moderna”.
Uno de los aspectos interesantes del MAXXI es que no se trata sólamente de un objeto arquitectónico, sino de un programa y centro de arte que admite múltiples elementos que se conectan con la arquitectura, la ciudad y el arte. Pensado como un gran campus de la cultura, el MAXXI produce y alberga muestras de arte y arquitectura, proyectos de diseño, fotografía, moda, muestras cinematográficas y actuaciones teatrales y de danza.
La misión del museo “no es ser un contenedor de objetos, sino más bien una escuela para el arte”, donde los flujos y las vías se superponen y se conectan con el fin de crear un espacio dinámico e interactivo. La continuidad de los espacios hace que sea un lugar idóneo para cualquier tipo de exposición móvil y temporal, sin divisiones de pared redundantes o interrupciones.
Las colecciones del MAXXI se exponen por rotación junto con las muestras contemporáneas, mientras que las instalaciones de Anish Kapoor, Sol Lewitt y Maurizio Mochetti se pueden contemplar de manera permanente.

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ARTE EN ESCENA / ART ON STAGE
Por Anna Mattirolo
Traducción de Jaime Arrambide

Desde que fue concebido hasta su apertura en el año 2010, el Museo Nacional de las Artes del Siglo XXI (MAXXI) se constituyó como una fuente extraordinaria de oportunidades.
El compromiso público de dedicarle a la contemporaneidad un proyecto arquitectónico de tan amplia relevancia internacional garantiza que la comunidad cuente con una estructura capaz de albergar un laboratorio de actividades que, con vistas al futuro, les abre sus puertas a todos los aspectos de la contemporaneidad global, pero bien enraizado en un contexto cultural único en el mundo: el italiano.
El desafío que plantea el propio edificio es sólo el primero de muchos: funcionar en un contexto arquitectónico innovador, un unicum que supera todo texto museológico y museográfico precedente, unido al desafío de investigar nuevas perspectivas y estrategias válidas para brindar una oferta cultural que responda a las exigencias que impone el nuevo milenio.
La tarea más estimulante es justamente la de hacer dialogar, en el sinuoso recorrido diseñado por Zaha Hadid, la multiplicidad de escenarios y len
guajes de la cultura contemporánea, imaginando un gran laboratorio para la producción de ideas, donde arte y arquitectura cobren formas diversas en cada oportunidad.

El espacio del arte –ese tema tan amplio y cargado de historia, que constituye uno los puntos cardinales de la práctica artística, de la argumentación crítica y del debate curatorial y museístico–, es por lo tanto el nodo crucial que signó el lanzamiento del MAXXI.
De hecho, la colección es el punto fijo de enganche para este flujo ininterrumpido de transformaciones culturales y sociales, así como de líneas arquitectónicas, y la obra de arte es el canon, la unidad de medida sobre la cual se esboza la totalidad proyecto.
Sobre la sólida base de obras de artistas ya historizados, individualizados entre aquellos cuya línea de investigación fue fundante para la generación de artistas siguiente, la colección va creciendo con la adquisición de obras de artistas que a partir de la década de 1990, interpretaron la poética y las tensiones de un modelo social en proceso de cambio.

Después llegaron las generaciones más jóvenes, que son los que siguen marcando el ritmo de la contemporaneidad más acuciante.
La colección se acrecienta de ese modo al compás de la actividad expositiva, de la producción de obras site specific, y de importantes donaciones destinadas a profundizar algunas líneas de investigación ancladas en la vocación de origen del MAXXI: la de preservar y valorizar su pertenencia a un contexto cultural y geográfico, el italiano, que une a Europa con el Mediterráneo, y que puede ser considerado único por la historia de la que es parte y por la influencia que ejerce.
En este sentido, y gracias también a la excelencia y la originalidad de los espacios expositivos, la colección se caracteriza por su conservación y por su cualidad de poder ser vista una y otra vez desde nuevos puntos de vista, nuevas experimentaciones y nuevas propuestas.
De allí surge la presentación de Art on stage: un proyecto que, para esta ocasión, articula la colección configurándola como un espacio escénico, casi teatral. Las obras con íconos, símbolos de imágenes de una representación del deseo individual y colectivo que, en su conjunto, representa a su vez una sensibilidad abarcadora y una idea de la escena italiana en tanto “imaginario” político, ético, social y existencial en el que los artistas italianos e internacionales más de una vez se cruzan para reflexionar y generar sugerentes propuestas.

Por otra parte, ese imaginario muchas veces implica un territorio en el que la vida ofrece una multitud de cruces y donde los impulsos emocionales corren por los espacios más recónditos del alma humana.
Tragedia y comedia se combinan y transportan ese imaginario a una dimensión a veces onírica, otras sagrada, o lo convierten incluso en un proscenio sobre el que pone en escena la vida, y donde a través de un giro humorístico y desacralizador, el artista encuentra nuevas capacidades creativas que llevan a un sofisticado formalismo y a nuevas posibilidades expresivas. Es precisamente en esa relación entre realidad, representación e interpretación, –
que más que en ningún otro lugar, emerge con fuerza en Italia cuando el artista se aboca a representar un fragmento de la naturaleza, como en el caso de la Aurora de Mario Airò, o cuando apunta al imaginario popular, como en Le Ore, de Ontani–, donde mitos y leyendas resurgen de lo profundo de nuestra cultura iconográfica para enfrentar con ironía y de manera poco convencional el tema identitario presente en nuestra historia.

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La extraordinaria capacidad de reelaborar la realidad con ironía es más que evidente en Statua (figura distesa) de Gino De Dominicis, con su búsqueda elaborada, y a veces “oculta”, en torno al tema del paso del tiempo, la conquista de la inmortalidad, la invisibilidad y la consecución de objetivos imposibles, así como lo es en Maurizio Cattelan el modo de observar la vida a través de las distorsiones de la realidad, enviando un mensaje potente sobre el mundo contemporáneo, que desafía la relación umbilical con el pasado y con la historia, convertida de esa manera en una parodia grotesca y a veces caricaturesca.
Es también a través de una sarcástica ironía que mira el mundo Francesco Vezzoli, una ironía que juega entre lo sacro y lo profano, entre la antigüedad y el presente, entro lo áulico y el pop: The Kiss presenta una inversión irónica de roles, un juego de yuxtaposiciones y referencias cruzadas entre cine clásico y atmósfera del pop.

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En un recorrido híbrido entre puesta en escena, performance y memoria, se mueven por su parte los personajes de los hermanos De Serio, una identidad arrancada de su región de origen que, a través de los instrumentos de su propia cultura oral y poética, reelabora su experiencia de erradicación.
Pero por su naturaleza, la puesta en escena se propone como un espacio-tiempo separado de la cotidianeidad. Son los Teatri de Grazia Toderi, a veces abandonados o degradados, pero siempre parte fundamental de nuestra memoria transmitida y vivida por la comunidad que los habitó, por más que las reglas que demarcan esas interacciones sociales hoy sean puestas en discusión, trastocando los límites entre lo natural y lo artificial. Son esos los paisa jes contemporáneos fotografiados por Armin Linke, donde la tierra aparece como una obra en construcción en curso, donde se modifican sensiblemente la fisonomía de los paisajes y los contextos urbanos.

Este Art on Stage es, por lo tanto, una verdadera declaración de intenciones que se propone rastrear en la colección del MAXXI aquella línea de representación escénica que encuentra finalmente en los retratos la posibilidad de reconducir una realidad no visible –la psiquis humana–, a esquemas más conocidos y reconocibles. Gilbert & George, como esculturas vivientes, se han entregado al arte con todas las dudas típicas de quien piensa lo que hace.
Yan Pei-Ming, por el contrario, se arriesga a pintar al hombre si hacerle un retrato, aprovechando a su ícono pop para crear algo larger-than-life, una imagen comunicativa que vale en cualquier lugar del mundo y en cualquier tiempo, una búsqueda de mediación entre la libertad imaginativa y la estructura psicológica, y las imágenes que nos impone la televisión, el cine y la publicidad.

La irresolución, en cambio, es el trazo dominante de toda personalidad, que deliberadamente Kentridge deja deslizar hacia la comedia, cuando basándose en La conciencia de Zeno, de Italo Svevo, un brillante discurso sobre la inercia del hombre burgués del siglo XX, ha decidido contar esa incapacidad de vivir que condiciona el trabajo, el matrimonio, pero también la enfermedad y la muerte, describiendo con sutil ironía los sacrificios, los temores y pávidos deseos de la burguesía europea en los albores de la Primera Guerra Mundial.
Echar luz sobre los problemas más acuciantes, con ese desapego que permite analizar la realidad a través de una óptica sutil y una capacidad de síntesis fulminante: como en la ópera bufa, estos artistas redescubren y realimentan la misma capacidad de crear obras de altísimo nivel imaginativo y psicológico, pero sin abandonar el contexto de una puesta en escena de la invención irónica, a veces histriónica, y al borde de lo surreal.

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Entrevista Anna Mattirolo/Giorgio Guglielmino (fragmentos)
CONSTRUIR EL PRESENTE PARA LLEVARLO AL FUTURO: EL MUSEO DEL SIGLO XXI
Una conversación con Anna Mattirolo 
Traducción de Jaime Arrambide

Giorgio Guglielmino: Un museo de arte contemporáneo ¿debe continuar haciendo lo que ha hecho hasta ahora o debe inventarse un nuevo rol?
Anna Mattirolo: Haces la pregunta más difícil posible para mí porque éste es un tema sobre el cual estoy muy concentrada aún si todavía no tengo una respuesta. Y para poder tener una respuesta habría que dar primero un paso atrás…Estamos viviendo un profundo cambio social que no sólo se refiere al arte. El mundo globalizado nos impone tener una visión y a realizar una actividad mucho más extendida respecto a la idea de las profesiones tal como la teníamos hace poco tiempo atrás. Creo que todo esto es la consecuencia de una transformación de la sociedad globalizada, que todavía no sabemos a dónde nos va a llevar.
Seguramente el artista que trabaja en todos los campos y que entonces funge como curador de sí mismo mete en crisis el rol del curador, el cual se encuentra haciendo un trabajo un poco servil respecto al artista, a menudo tratando de complacerlo. Por lo cual el aspecto también crítico, que era muy importante para el curador, con respecto al artista se ha venido un poco a menos. En tal panorama ¿el museo qué debe hacer?. El museo seguramente toma nota de los cambios pero debe actuar sin perder la autoridad, en armonía entre las prerrogativas curatoriales, la exigencia del artista y siempre acorde con su propia misión sobre la cual ha establecido sus directrices. ..Italia, con Roma como punta de una brújula imaginaria, está en el centro de un contexto geográfico de gran interés. Que está transformándose profundamente, con una dirección, en el futuro próximo, que todavía nos resulta difícil de imaginar. Ésta es ahora nuestra apuesta: trabajar sobre las tantas señales que estamos advirtiendo y formular un nuevo modelo de museo que refleje las nuevas exigencias que la sociedad está demandando. Italia, en particular, está más que nunca en el centro de éste flujo, y tiene en la espalda una historia de cultura única en el mundo. Un patrimonio que sirve de experiencia para indagar el futuro y no como una carga. Creo que Italia tiene mucho para dar en este sentido y que está a nivel de corresponderse sin complejos con el mundo, justamente por su originalidad y sobretodo cambiando la idea de que para ser internacionales tenemos que importar experiencia de otros: somos suficientemente fuertes para poder intercambiar a la par de nuestras habilidades y trabajar en esa dirección…Entonces el modelo cambia en la medida que algunas de sus elecciones culturales deben tener en cuenta también la necesidad de gestión y administración. Actualmente es una necesidad que muchos museos deben afrontar para sostener esa “máquina de guerra” en la que se han convertido ciertos museos. Pero la búsqueda nueva es otra cosa.

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GG: ¿Existe hoy en el mundo un museo que esté haciendo elecciones diferentes?
AM: No quiero elegir uno en lugar del otro pero seguramente los centros más pequeños son aquellos que tienen más posibilidad de experimentar, más agilidad y menos responsabilidad financiera y económica que aquellos que hemos mencionado. Todavía tenemos un mundo entero para explorar qué nos traerá nuevas energías a descubrir…Construir una colección es sustancialmente el core business de un museo según la acepción tradicional del término, distinguiéndolo de los centros que tienen misiones diversas. El museo, con su colección, construye el presente para llevarlo al futuro y esto no debe olvidarse nunca. En tal sentido la colección es el centro de actividad de un museo.
También aquí es válido el argumento de las directrices sobre las que se basa su actividad y en consecuencia la construcción de la colección. Por mi experiencia tengo siempre la idea de que la colección debe construirse en fuerte relación con el calendario de exposiciones y, como en el caso del MAXXI, en armonía con los espacios arquitectónicos que la contienen. Ya que los artistas que entran a trabajar se deben confrontar con espacios muy significativos y la experiencia es muy útil en éste sentido. Por otra parte el MAXXI pone también un punto de observación muy interesante sobre lo que se hace en el campo de las instituciones más pequeñas y más ágiles, que son capaces de trabajar más fácilmente sobre el terreno con proyectos más experimentales e igualmente significativos.

GG: ¿Cómo ha nacido la idea de construir el MAXXI?
AM: El MAXXI nació en realidad de un modo muy natural. Nació de la exigencia de la Galería Nacional de Arte Moderno (GNAM) de Roma de ampliar su propio espacio en un momento (hablamos de los años 90) en el cual se reactivava el programa de lo contemporáneo. Se hace paso a paso a la luz de los programas, pero empiezan a llevar a sus colecciones las obras de artistas jóvenes. Yo me ocupaba de aquel programa que se llamaba “Partito preso” y tendía a dar espacio a los artistas jóvenes que se confrontaban a las obras de los grandes maestros.
Por otra parte aquellas colecciones ahora cubrían dos siglos de historia y estaban muy cercanas a la llegada del nuevo milenio y los espacios ya no eran suficientes para acoger nuevas obras.
Zaha Hadid, se convirtió en la arquitecto estrella que hoy todos conocemos gracias al proyecto del MAXXI, el cual desde el momento de su construcción ya era un destino de inspecciones y estudios gracias a su dimensión experimental e innovativa.
Se ha eliminado por completo la idea del White cube a favor de un proceso fluido que responde a una dimensión más desenvuelta e interdisciplinar entre varios aspectos de la creatividad contemporánea. Entonces en cierto sentido Hadid ideó el proyecto del nuevo milenio.
Falta el hecho de que estaría muy atenta al contexto en el cual operaría. Cada museo, lugar, institución debe responder a las exigencias de la colectividad en la cual nace, crece y se desarrolla. Y construir un proyecto dirigido, claro y bien legible para ser presentado a su público. La característica especial italiana está dada por la variedad del carácter de su propio territorio y cada lugar puede contar su propia visión del mundo de acuerdo a su propia índole.
También el MAXXI responde a esta tipología. Por ende es difícil trabajar sólo sobre la experimentación o sobre los proyectos mínimos porque la gente que vive o que viene a Roma tiene delante de los ojos cosas muy potentes, y así cuando viene al MAXXI llega inmerso en un percurso fluido, como el lecho de un río que fluye vigorosamente.
Cada lugar, por lo tanto, tiene su propia predisposición a leer nuestro presente y para mí cada uno de estos está en grado de dar una perspectiva diferente en la investigación de lo contemporáneo. De igual manera, como decíamos, se debe considerar en su unión la posición central de Italia en un mundo en particular fibrilación y presagio de una nueva civilización que se está formando con este flujo trascendental de diferentes poblaciones. Una ocasión imperdible para reflexionar sobre nuestro futuro próximo, para compartir experiencia, para imaginar mundos no digo nuevos pero ciertamente más originales con respecto a una historia que ya ha sido contada.
Evitar aquello que ha sucedido por varios años cuando se daba la vuelta por los museos de todo el mundo y se encontraban las mismas muestras con las mismas obras. Entonces en un contexto globalizado como el nuestro poder ofrecer una lectura original sobretodo gracias a un territorio como el italiano que cambia tanto de norte a sur -pero que se alcanza muy fácilmente- se pueden traer proyectos muy interesantes. Por otra parte, sabemos bien como nuestra historia es un estímulo continuo para todos los artistas extranjeros que llegan a nosotros.

GG: Es de hecho lo que yo siempre he sostenido. Las personas piensan que el arte contemporáneo es una cosa difícil y compleja pero en realidad el arte contemporáneo es necesariamente más simple de entender. Es el arte que se basa en nuestra contemporaneidad, sobre las señales que compartimos. Los artistas de hoy prenden la televisión y escuchan las mismas noticias que escuchamos nosotros, se confrontan con nuestra misma realidad. Ésta no puede no ser una llave de lectura.
AM: Es de hecho la llave de lectura. Solo que para muchos es mucho más reconfortante el pasado que un presente que nos cuesta identificar y que nos cuesta vivir. Tanto más porque es un presente que nos llevará a cualquier parte pero todavía no sabemos donde. Probablemente nuestra misma sociedad será compuesta de individuos diferentes de aquellos que somos ahora; viviremos cosas distintas que todavía no logramos introspeccionar e imaginar.
El artista a veces se mete en problemas porque tiene una una mirada que va más adelante entonces puede predecir cualquier cosa que a nosotros nos de miedo, mientras que el pasado naturalmente nos da tranquilidad. Pero esto de continuar volviendo la mirada atrás nos ha detenido. Me gustaría que esta ruta se atravesase a través de las obras de los artistas, de la música, del cine, de la comida: tantas expresiones del hoy en las cuales la gente se pueda reencontrar.

GG: Volviendo al MAXXI, hoy se presenta una parte de su colección en América Latina.
AM: De la colección del MAXXI hemos extrapolado obras sobre un tema específico, el título de la muestra es “Art on stage”. Hemos querido enfatizar sobre aquel aspecto un poco teatral en el cual quizás los argentinos puedan reconocer algo ya que hay una gran tradición de teatros italianos. Hemos
contado una historia. Son obras de artistas italianos e internacionales que dejan en evidencia cómo el lenguaje del arte contemporáneo es universal y puede ser entendido también a 10.000 km de distancia. Naturalmente contaremos también cómo ha nacido la colección del MAXXI, pero será una lectura fácil por la característica del lenguaje contemporáneo a nivel de ser percibido y entendido fácilmente en cada parte del mundo. Espero que de la muestra surja también la idea de un país como Italia que tiene sus propias raíces en un contexto artístico extraordinario, del cual artistas de todo el mundo han evocado continuamente para su imaginario. Un patrimonio que es el motor para nuestro futuro.

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CURADORA
Anna Mattirolo
Ha sido Directora del Departamento de Arte en el PARC desde 2003 y Directora de Arte del MAXXI hasta el 2015. Está a cargo actualmente de la investigación científica, la documentación y los servicios educativos del Museo. Ha curado varias exposiciones incluyendo Alighiero Boetti, Maurizio Mochetti; Anish Kapoor y Ugo Mulas.

ARTISTAS
Mario Airo En los últimos veinte años Airo ha creado ámbitos en los que confluyen arquitectura, escritura, música e iluminación. Sus trabajos se apoderan de la noción del espacio infinito como punto de partida para un viaje mental hacia otros mundos.  Su obra se sitúa entre lo cotidiano (encarnado en los materiales táctiles) y lo mental-infinito que ofrece una vía de escape al espectador. Inspirándose en diversas prácticas (filosofía, arte renacentista, Lucio Fontana, literatura y cine) transforma el espacio con la luz (natural o artificial) y el  sonido.

Carlo Aymonino Fue una figura multifacética de la arquitectura italiana. Comenzó su trabajo inmediatamente luego de la Segunda Guerra Mundial. Siempre logró combinar su profesión y pasión intelectual con sus compromisos políticos. Aymonino comenzó su carrera trabajando junto con Quaroni y Ridolfi en el proyecto urbano del barrio de Tiburtino, en Roma (1949-1954). Luego inició su carrera como diseñador, obteniendo fama internacional con la construcción del complejo residencial de Monte Amiata en el distrito Gallaratese 2 de Milán (1967-1972). Durante los 1970s y 1980s desarrolló dos hitos en sus estudios de investigación urbana: el diseño de la Corte de Ferrara y del centro residencial y co mercial Benelli en Pesaro, en donde logró fusionar la complejidad topológica con el rigor geométrico. Sus proyectos más recientes incluyeron la reconstrucción del área del Coliseo y del techo del Jardín Romano en el Museo Capitoline. En 1976 y 1985 fue invitado a participar con sus obras en el XIII y XV Triennale di Milano y en la Bienal de Venecia.

Matthew Barney Luego de graduarse en Yale para 1991, Barney entra al mundo artístico de la mano de la controversia y el éxito. Es mayormente conocido por ser el productor y creador de los films Cremaster, una serie de cinco películas visualmente extravagantes que  presentan al mismo Barney interpretando múltiples y diversos personajes, incluyendo un sátiro, un mago, un carnero, Harry Houdini e incluso al famoso asesino Gary Gilmore 1. Los films en sí mismos son una mezcla de historia, autobiografía, y mitología – un intenso y privado universo en cuyos símbolos e imágenes constituyen densas capas interrelacionadas. La cosmología resultante es tanto bella como compleja. Barney ganó el prestigioso premio Europa 2000 en la 45 Bienal de Venecia de 1996. También fue el primer ganador del premio Hugo Boss.

Maurizio Cattelan Es conocido por sus esculturas satíricas (como La Nona Ora / La Novena hora, en la que representa al Papa Juan Pablo II golpeado por un meteorito). Comenzó su carrera en Forlí, Italia, en la década de 1980, en el campo de la fabricación de muebles de madera. Con el tiempo realizó un catálogo de su obra con el que contactó galerías, haciéndose promoción entre el diseño y el arte contemporáneo. Es ampliamente reconocido por varios trabajos en los que utiliza la taxidermia, (práctica que floreció a mediados de la década de 1990). Estos trabajos están diseñados para conectar los seres humanos y animales a través de las proyecciones de las emociones humanas. Un ejemplo de ello es la pieza titulada Novecento (1997), que muestra un caballo llamado Tiramisú. El animal pende de un arnés que se sujeta del techo con una postura de cabeza, torso y extremidades colgando. Entre 2005 y 2010 su trabajo se ha centrado en gran medida en la edición y el comisariado. Con frecuencia usa lo mórbido, lo fascinante y el humor negro, tratando de abrirse más allá de los placeres de visuales.

Gino De Dominicis Constituye una figura polémica, enigmática y desconcertante en el escenario artístico italiano. Durante su juventud estaba fascinado con el cosmos, las constelaciones y los planetas; el espacio y el cielo. También lo obsesionaban la inmortalidad y la invisibilidad. Ha trabajado con todos los medios posibles, incluyendo la pintura, la escultura, el cine y obras site specific. Su primera exhibición fue en Roma, en 1969, en la Galería L’Attico. A finales de 1970 comenzó a colaborar con la Galería Emilio Mazzoli en Módena, donde realizó su última muestra en 1998. La primera aparición de Gino en la Bienal de Venecia de 1972 incluyó a un joven con síndrome de Down como un elemento de su instalación, generando polémicas al respecto. En 1993 anunció que sus pinturas al temple y de oro en panel no podrían ser considerados para los premios de la Bienal, desatando una nueva polémica. En 1995 se negó públicamente a aparecer en escena. Su obra ha influenciado a muchos artistas jóvenes italianos, como Maurizio Cattelan, Paola Pivi, Pietro Roccasalva y Diego Perrone.

Massimiliano e Gianluca De Serio Artistas y realizadores italianos nacidos en Turín en 1978. Trabajan juntos desde 1999 produciendo películas, documentales e instalaciones; participando en exposiciones y festivales nacionales e internacionales de cine. Sus producciones abordan problemáticas en torno a las identidades desarraigadas, generando una lucha con la redefinición continua de uno mismo y de las identidades colectivas, en un camino híbrido entre la estadificación, la memoria, la multiculturalidad, la desigualdad social, la migración y el rendimiento. En el 2011 debutan con su primer largometraje “Siete actos de la Misericordia” en el Festival de Cine de Locarno. Han participado en más de 87 Festivales alrededor del mundo, ganado más de 20 premios y obtenido más de 7 nominaciones, entre las cuales caben destacar: Oscar al Mejor Cortometraje (2005), Mejor Documental italiano en el Festival de Cine de Turín (2010), Cinta de Plata a la Mejor Película y al Mejor Sonido en vivo (2012), entre otros.Maurizio Cattelan, Madre, 2000 (1999)

Gilbert & George Escultores ingleses. En referencia a su trabajo en conjunto ellos sostienen que «no es una colaboración... somos dos personas pero un solo artista». Se conocieron como estudiantes en la Escuela de Arte St Martins de Londres. Para 1969 reaccionaban en contra de las aproximaciones escultóricas imperantes en la escuela de arte a las cuales consideraban elitistas y poco comunicativas por fuera del ambiente artístico. Su estrategia fue transformarse ellos mismos en escultura, sacrificando sus identidades separadas y modificando la noción de creatividad.  Entre 1970 y 1974 también realizaron dibujos (a los que se hace referencia como “esculturas en carbonilla sobre papel”) y pinturas para dar una forma más tangible a su ya establecida identidad de “esculturas vivientes”. En 1971 realizaron sus primeras obras fotográficas, medio que permaneció como su principal forma de expresión. Gradualmente fueron cambiando el énfasis de su temasujeto, alejándose de sus propias experiencias y se concentraron en la realidad de la ciudad que los confrontaba en la calle, así como en las estructuras y sentimientos que dan forma a la vida como la religión, clase, realeza, sexo, esperanza, nacionalidad, muerte, identidad, política y miedo. G&G sostienen que hacen arte “para el bien de la vida” y postulan un arte “para todos”.

Danilo Guerri Se forma en el ámbito de la escuela romana,  bajo la guía de Libera y luego de Quadroni. En los años 60 comienza su experiencia laboral el estudio de UTA. En 1983 se incorpora a la Academia Nacional de San Luca. Ha desarrollado su carrera didáctica como profesor en la Facultad de Arquitectura de Ascoli Piceno, de Ferrara y de Ingeniería de Ancona. También ha dictado numerosas conferencias en Italia (Palermo, Urbino , ILAUD, Roma y Milán) y en el extranjero (Oslo, Pittsburgh, Pennsylvania, Carnegie, entre otros), y su trabajo ha sido objeto de exposiciones en Fontana y en Milán.

Ilya & Emilia Kabakov Artistas rusos que viven en Estados Unidos, colaboran en el desarrollo de espacios que fusionan elementos conceptuales con aquellos de la vida cotidiana. Aunque su trabajo está íntimamente vinculado con el contexto social y cultural soviético, sus obras mantienen una relevancia universal.  Ilya Kabakov nació en Dnepropetrovsk, Unión Soviética, en 1933. Estudió en la Academia de Arte VA Surikov en Moscú, y comenzó su carrera como ilustrador de libros para niños durante los 1950s. Integró un grupo de artistas conceptuales en Moscú que operaba por fuera del sistema de arte oficial soviético. En 1985 presentó su primera exhibición en la galería Dina Vierny, en París.  En 1988 comenzó a trabajar junto con su futura esposa, Emilia (se casarían en 1992), y a partir de ese momento todos sus trabajos se realizaron en colaboración. Hoy Kabakov es considerado el artista ruso más importante del siglo XX. Sus instalaciones hablan tanto de las condiciones sociales de la Rusia post-Stalinista como de la condición humana universal.

Su obra ha sido expuesta en el MoMa, el Museo Hirshhorn de Washington DC, el Museo Stedelijk de Amsterdam, Documenta IX, en la Bienal de Whitney de 1997 y el Museo State Hermitage de St. Petersburgo, entre otros. En 1993 representaron a Rusia en la 45º Bienal de Venecia con su instalación The Red Pavilion. El dúo también a participado en numerosas comisiones públicas en Europa y han recibido diversos premios, incluyendo el Oscar Kokoschka Preis, de Vienna, en 2002, y el Chevalier des Arts et des Lettres, de París, en 1995.

William Kentridge Su formación académica combina la política y estudios africanos con el arte, por lo que el centro de su obra se concentra principalmente en las preocupaciones propias del colonialismo y post-Apartheid de Sudáfrica, situaciones que articula a través de diferentes instancias estéticas propias de la contemporaneidad y en las que evidencia abordajes temáticos que transitan entre el abuso, la injusticia, la segregación y el maltrato social. Durante los años ochenta trabajó como director de arte en varias películas, lo que le conduce más tarde a la exploración y el manejo de múltiples herramientas del lenguaje fílmico. En la actualidad, su obra transcurre entre sus características animaciones dibujísticas (hechas a partir de secuencias fotográficas que registran el dibujo, desdibujo y redibujo de escenas que en su continuidad narran una historia), sus instalaciones multimediales, el diseño de escenografías y sus propuestas basadas en la estética del teatro de sombras.

Armin Linke Como fotógrafo y cineasta implementa una amplia gama de técnicas contemporáneas de procesamiento de imágenes para diluir las fronteras entre realidad y ficción. Su práctica artística explora las diferentes posibilidades de trabajar con material de archivo fotográfico y sus posibles manifestaciones, así como las interrelaciones y transformaciones que ocurren entre los seres humanos y las dinámicas urbanas,  arquitectónicas y espaciales. Se interesa particularmente por las estrategias de representación fotográfica y la intersección de la memoria colectiva, la historia y el archivo. Su práctica se centra en la documentación, a través de impresiones a gran escala, de los efectos de la globalización y la urbanización y las consecuencias de ambos en poblaciones locales. Ha presentado en numerosas exhibiciones internacionales: Moderna Galerija Ljubljana, Slovenia (1995); Accademia Americana, Roma (2003); Guangzhou Cultural Transmission Center, Beijing (2004); Centre Georges Pompidou, Musée national d’art moderne, París (2005); Museo della Calcografia, Roma (2008); y el Museum für Gegenwartskunst, Siegen, Alemania(2009). También ha participado en notables exhibiciones grupales: la Bienial de Berlín (1998); Bienal Internacional de Arquitectura de Venecia (2000);Bienal de San Pablo (2002); y Bienal de Venecia (2003).

Luigi Ontani Su producción es amplia y prolífica, multifacética, aunque es considerado fundamentalmente pintor y escultor. Su carrera comienza en los años setenta con sus famosas “Tableaux vivants” (Pinturas vivientes), que consisten en el uso de la clásica forma de representación francesa del siglo XIX, en la que actores posaban –con la intención de reconstruir obras pictóricas- como si se tratara de la propia pintura. Dentro de esta práctica se enmarcan obras que van de Pinocho a Dante, o de San Sebastián a Baco. Sin embargo, en todos ellas el narcisismo personal se eleva a un nivel superior, rozando estéticamente el Kitsch. La ironía que alcanza su obra se ve acompañada de una potente referencia a una verdad que no es verdad, que da paso al “simulacro” con el cual reinterpreta las diferentes situaciones históricas e introduce un rodamiento de la temporalidad. Ha expuesto en importantes museos y galerías del mundo como el Guggenheim, el Pompidou y el Reina Sofía; ha participado en varias ediciones de las bienales de Venecia (72, 78, 84 y 95), Sydney y Lyon. Recientemente ha tenido tres muestras importantes: MoMA (2001), SMAK (20032004) y MAMBO (2008).

Yan Pei-Ming Es un artista chino nacido en Shanghai, en 1960, pero radiado desde 1982 en Dijon, Francia. Sus obras más famosas son de “dimensiones épicas” y en ellas retrata personajes emblemáticos de la historia universal: Mao, Picasso, Bruce Lee, Obama, Papa Juan Pablo II, Papa Francisco, entre otros. Sus primeros años transcurren en medio de la controvertida Revolución Cultural China por lo que desarrolló una conciencia crítica y dramática del mundo, que deja ver a través de su obra desde 4 conceptos fundamentales: muerte, religión, guerra y sufrimiento. A través de su obra se adentra en la historia cultural de occidente reinterpretando varias de las grandes pinturas de los maestros españoles: Goya, Velázquez y Picasso, o simplemente retratándolos. Sus intenciones pictóricas confrontan un equilibrio entre la figuración y la abstracción, pero la expresividad con que produce sus pinturas definen tangencialmente su obra. Ha participado en numerosas exhibiciones alrededor del mundo (GAMeC, Louvre, Centro de Artes de Beijing, Galería Massimo De Carlo, Centro Pompidou) y en Bienales como las de Venecia, Sevilla y Estambul.

Michelangelo Pistoletto Su primera participación en la Bienal de San Marino fue en el año 1959 y su primera exhibición individual la realizó al año siguiente en la Galleria Galatea en Turín. En 1967 comenzó a explorar la performance, un interés que mantendría y extendería a lo largo de su carrera e incluiría también el cine y el teatro. Con el Grupo Zoo, que fundó, Pistoletto encabezó “acciones” colectivas desde 1968 hasta 1970, que buscaban unificar el arte y la vida cotidiana y que transcurrían en su estudio, en instituciones públicas como escuelas o teatros y en las calles de Turín u otras ciudades. El empleo de materiales cotidianos y accesibles (como en el caso de Venere degli stracci/Venus de los trapos, una copia de la clásica escultura de Venus rodeada de una enorme pila de ropas viejas) lo alineó con el Arte Povera. Desde 1967, cuando ese término fue acuñado, el trabajo de Pistoletto ha sido incluido en museos y galerías dedicadas a la exhibición de obras de ese movimiento artístico. Creó el Progetto Arte en 1994, un programa dedicado a unificar distintas ramas de la civilización humana a través del arte. Para ello estableció la Cittadellarte, Fondazione Pistoletto en 1998, un centro para el estudio y la promoción de actividades creativas.  Retrospectivas de su obra se han presentado en Venecia, Madrid, Florencia, Barcelona y Filadelfia. Sus trabajos se han incluido en importantes exhibiciones internacionales como Documenta 4, 7, 9 y 11 y la Bienal de Venecia (1966, 1976, 1978, 1984, 1986, 1993, 1995, 2003, 2005).

Aldo Rossi Para el arquitecto italiano Aldo Rossi la idea del teatro siempre funcionó como el motor creativo de su arquitectura y sirvió como escenario sobre el cual construyó sus teorías. El teatro fue una de sus más grandes obsesiones y a través de la cual se puede entender toda su obra. En las diferentes etapas de su carrera la idea de la teatralidad se desarrolló en diferentes niveles a través del cuerpo de su obra, tanto arquitectónica como literaria. El teatro para Rossi significaba la puesta en práctica de sus diseños y la puesta en escena de su vida en la ciudad. Asociado con el movimiento italiano NeoRacionalista de la década de los 70s, el trabajo de  Aldo Rossi emplea formas arquetípicas en un intento por establecer una conexión con la memoria de la arquitectura clásica. El reconocido crítico e historiador Vincent Scully comparó el trabajo pictórico-arquitectónico de Rossi con el de Le Corbusier. Ada Louise Huxtable, crítica de arquitectura y jurada del premio Pritzker, lo ha descrito como “un poeta que, además, resulta ser arquitecto”.

Construido para la Bienal de Venecia, el Teatro del Mundo se inauguró el 11 de noviembre de 1979 situándose frente a la famosa Dogana Veneciana. La Bienal de Teatro y Arquitectura buscaba rememorar los antiguos teatros flotantes del siglo XVIII que funcionaban sobre el agua. Rossi percibe el teatro flotante como un nuevo símbolo de la ciudad de Venecia, un nuevo monumento que comprendiera sus funciones hermenéuticas, sociales y prácticas así como su trascendencia en la memoria colectiva y las costumbres de una ciudad a través del tiempo. Rossi describió el proyecto como “un sitio en donde la arquitectura finalizaba y el mundo de la imaginación comenzaba”.

Grazia Toderi Obtuvo reconocimiento internacional como resultado de su participación en Aperto ‘93  en la 45º Bienal de Venecia, donde exhibió, además de fotografías, el video Notiscordardime (No-me-olvides), en el cual utilizó una cámara fija para registrar a una pequeña planta embestida por una violenta y continua lluvia de agua. Toderi tiende a realizar registros distantes de acciones que suelen desarrollarse en un ambiente cotidiano, y su uso deliberadamente elemental del video como medio expresivo enfatiza su deseo de concentrarse en el sujeto y en la acción, distanciándose de una pura y simple voluntad creativa. Aunque representa objetos cotidianos en contextos domésticos, las obras de Toderi no ocultan un cierto sentido de intranquilidad y sus sujetos, en realidad, suelen ser el blanco de una violencia oculta. La artista también ha demostrado una fascinación por el uso de imágenes ya registradas por otros medios y por las dinámicas del espectáculo, que ella entiende como una oportunidad para  el encuentro y la unión. Por ello ha trabajado con imágenes de estadios, arenas públicas y grandes teatros históricos. En Eclissi (Eclipses), 1999; Random, 2001 y Orchestra, 2003, las audiencias de distintos teatros italianos sirven para reflexionar sobre la relación entre el continente y los contenidos, uso y usuario, en un juego de partes en donde siempre, en última instancia, se transforma al público en protagonista. El reconocimiento de la audiencia (recreada con la ayuda de imágenes manipuladas digitalmente en donde se agregar aplausos, sonidos y flashes fotográficos) sirve para enfatizar el foco de la artista sobre el público, que ella considera el protagonista real de la performance.

Francesco Vezzoli Estudió en el Central St. Martin’s School of Art de Londres. Su trabajo explora el poder de la cultura popular contemporánea. Al emular detalladamente los formatos de diversos medios como la publicidad y el cine, analiza las preocupaciones actuales con respecto a la ambigüedad fundamental de la verdad, el poder seductor del lenguaje y la inestabilidad de la persona humana. Ejemplos incluyen un tráiler del remake del Caligula de Gore Vidal (2005) con actuaciones del propio Vidal, Helen Mirren y Courtney Love; una campaña publicitaria dirigida por Roman Polanski de un perfume ficticio (Greed); y performances site specific inspiradas por Pier Paolo Pasolini, Luigi Pirandello y Salvador Dalí en donde participan super estrellas como Catherine Deneuve, Cate Blanchett y Lady Gaga. Aunque Vezzoli trabaja con una gran diversidad de medios, el bordado sigue siendo su técnica destacada desde los inicios de su carrera. Comenzó imitando a actores famosos que practicaban el bordado dentro y fuera de pantalla (Vincente Minelli, Joan Crawford, Cary Grant, Greta Garbo); luego se volvió una actividad más profunda y contemplativa a la que el artista se refirió como un mundo de sentimientos, crisis, obsesiones y depresiones históricamente unificadas con el oficio. Su trabajo ha sido exhibido en Nueva York, Turín, Milán, Porto, Dijon, Londres y Estocolmo, entre otros.

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ACTIVIDADES
ARTE  EN  ESCENA - CATÁLOGO
¿Cuáles son las formas actuales en que el lenguaje artístico desarrolla los conceptos de teatralidad y la escenificación al presentarse ante el público? ¿Cuál es el lugar del museo ante las diferentes formas de representación que muchas veces parecen excederlo? La publicación online del catálogo  Arte en escena delimita estas y otras preguntas que surgen al recorrer esta magnifica exhibición.
Un recorrido visual por las obras de los destacados artistas que forman parte de la muestra, por los espacios recreados en Proa y comentarios críticos, anécdotas e historias en la construcción de muchas de ellas.
 La publicación on-line también cuenta con el texto curatorial de Anna Mattirolo que reflexiona sobre las formas contemporáneas de teatralidad y escena desarrolladas en las diferentes salas de la muestra y una larga entrevista realizada por Giorgio Guglielmino, donde dialogan sobre el estado actual de los museos e instituciones culturales.
Este catálogo nace como resultado de un acuerdo entre el MAXXI y PROA para difundir el extraordinario material, imágenes y pensamiento,  utilizando los medios digitales contemporáneos. De esta manera, ambas instituciones colaboran en la difusión del arte internacional para que todo público, especialmente artistas y estudiantes en idioma español, puedan acceder a este notable patrimonio.

Arte en Escena E – book www.proa.org

ARTISTAS Y CRÍTICOS
El programa de encuentros coordinado por Ana Schwartzman invita a destacados creadores y especialistas a reflexionar junto al público sobre los diversos aspectos que propone la muestra. Sábados 17 hs.
ABRIL
2 Federico Zukerfeld - Loreto Garín (Etcétera...) +   Rodrigo Alonso
9  Santiago Villanueva + Angel Navarro
16  Hugo Petruschansky  
MAYO
7   Eduardo Stupía + David Oubiña
14 Giorgio Guglielmino

AUDIOGUIA
Una nueva audioguía, diseñada por el Departamento de Educación de Proa, para recorrer de manera interactiva las pinturas, videos, fotografías e instalaciones que forman parte de esta muestra. Relatada por Rodrigo Alonso y disponible gratuitamente para descargar desde la computadora o desde cualquier dispositivo móvil.

PROATV
Contenido multimedia que complementa las exhibiciones en curso. Entrevistas exclusivas con artistas y curadores, material de registro de conferencias y actividades complementarias y la posibilidad de realizar un recorrido virtual por las salas de exhibición.
 

Créditos

Organización
MAXXI Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo, Roma
Fundación PROA, Buenos Aires

Curaduría: Anna Mattirolo

Coordinación: Cintia Mezza - Alessandro Bianchi

Producción: Cecilia Jaime - Luisa Tomatti - Alessandra Barbuto

Asesor: Rodrigo Alonso

Montaje: Pablo Zaefferer

Conservación y Registro
Soledad Oliva - Pía Villaronga - Simona Brunetti -Francesca Graziosi

Montajistas
Leandro Barzabal - Ale Giorgga - Lukas Luna - Hernán Salvo

Diseño: Guillermo Goldschmidt

Prensa: Josefina Insausti - Víctor López Zumelzu

Educación: Paulina Guarnieri - Rosario García Martínez- Camila Villarruel

Educadores: Cora Papic - Juan Carlos Urrutia

Agradecimientos: Giorgio Guglielmino

Ministerio degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale
Embajada de Italia en Buenos Aires
Instituto Italiano de Cultura
Cooperación Italia & América Latina
Auspician: Tenaris-Ternium-Tecpetrol

Fundación PROA
Av. Pedro de Mendoza 1929 La Boca, Ciudad de Buenos Aires
[+54 11] 4104 1000/1

www.proa.org

 

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